"Zombieland", Sangrienta comedia con corazón

Argumento: En un mundo plagado de zombis, Columbus (Jesse Eisenberg) es un gallina, un joven que se encuentra aterrorizado por la situación, pero cuando te juegas el ser comido por los zombies, el miedo puede mantenerte vivo. De hecho su cobardía precisamente le ha permitido que sus sesos aún se mantengan en su cabeza. Sin embargo, Columbus se verá forzado a sacar el poco valor del que dispone para unirse a una banda de supervivientes a la que pertenece un cazador de muertos vivientes del que se hace amigo. Tallahassse (Woody Harrelson) es un macarra caza zombies cuya única determinación en su vida es lograr el último Twinkie (dulce americano) en la tierra. Cuando ambos unen fuerzas con Wichita (Emma Stone) y Little Rock (Abigail Breslin), que también han encontrado una manera original de sobrevivir en ese caos, tendrán que elegir que es peor: si confiar los unos en los otros o sucumbir ante los zombies.

Crítica: Recuerdo haber leído que David Lynch le enseñó a Eli Roth (responsable de "Cabin Fever") que se puede encontrar un equilibrio entre el humor y el terror, y que los dos están muy relacionados. Eso me lleva a destacar los logros (y también los tropiezos) que atravezó este "subgénero" hasta la actualidad, y sin ser un experto conocedor del tema (sino simplemente un joven aficionado) nombraré a "Shaun of the Dead", una de las más recordadas por el público en general. La misma resultó ser una perfecta mezcla entre sangre, vísceras y humor negro; hasta el punto de llegar a cautivar a una buena cantidad del público y motivar a otros primerizos directores a realizar más películas con la misma genialidad. No es coincidencia de que Ruben Fleischer haya sido uno de esos pocos que han podido triunfar en el difícil proceso que supone salirse de lo convencional para contar una historia diferente, con personajes que poseen innegable carisma y marcadas diferencias (lo que los hace verdaderamente únicos y los separan de ser simples estereotipos).

Precisamente por eso, creo conveniente ver "Zombieland" conociendo, al menos, una buena fracción del género, pues de otra manera creo que no disfrutaríamos de todo el festín que su director nos ofrece. Sería como ver "Scary Movie" sin haber visto ninguna de las películas a las que parodia; y eso es exactamente lo que ocurre aquí, aunque a diferencia de la saga inicida por los hermanos Wayans, creo que con esta, gran parte del público (sean o no seguidores del género) la pasarán igual de bien. Al comienzo de la película se nos explica que una terrible y mortal plaga de zombies había azotado al mundo; el narrador es un joven bastante asutadizo llamado Columbus, quienes nos cuenta unas reglas básicas a tener en cuenta para la supervivencia y a cómo el destino lo llevó hasta donde actualmente se encontraba. Después pasamos a conocer al resto de los personajes, mientras Columbus sigue narrando discretamente los hechos según su propia perspectiva, no sin antes realizar breves pero significativas introducciones acerca de su pasado para que lo vayamos conociendo mejor.

Esas son las razones principales por la que disfruté enormemente de "Zombieland"; porque no hizo falta contar una gran historia o mostrar algo demasiado diferente a lo que estamos acostumbrados; bastó con una pizca de encanto en las creíbles relaciones compartidas por sus protagonistas y en la sólida y competente dirección de Fleischer, que inyecta abundante humanidad en cada uno de sus personajes. Gran parte de ello radica en la buena presencia y en la excelente química que tiene el elenco en pantalla. Uno de los que prácticamente se roba la película es Woody Harrelson en el papel de Tallahasee (involvidable el momento en que consiguió su preciado Twinkie). Este actor logra una magnífica combinación entre rudo héroe y simpático "líder" del pequeño grupo superviviente. Jesse Eisenberg ya había debutado en un film de similiar estilo junto a Christina Ricci, titulado "Cursed", que fue dirigido por Wes Craven y escrito por Kevin Williamson.


Aquí nuevamente se lo ve en el papel del "héroe-cobarde", donde afortunadamente sus temores no logran derrotarlo. Hubieron muchos diálogos dignos de recordar (pero injustos de revelar) que tuvo con Woody Harrelson, sin olvidarr la emocionante relación que mantenía con Emma Stone (Wichita). Ver a esta actriz en pantalla es una de las cosas que más disfruté de "Zombieland"; el perfecto look que le asignaron fue un punto agregado, además... Emma no interpreta a la clásica "chica ruda", sino que le agrega parte de su propia y genuina personalidad, y en ese aspecto se destacó al máximo, sobre todo (Spoiler) cuando el grupo se encontraba en la casa de Bill Murray; ya en la noche, Columbus y Wichita se encontraban conversando sobre su niñez (1997) en una de las habitaciones, mientras la suave música y la tenue iluminación dieron la atmósfera perfecta para que ambos bailen, se abracen y (casi) se besen... ¡Maldito Tallahasse! (Fin del Spoiler).


Abigail Breslin (Little Rock) quizás fue la que menos protagonismo tuvo, pero eso no significa que su papel en "Zombieland" haya sido redundante; al contrario, aportó el mismo encanto y la misma simpatía con la que ha ido cautivandome todos estos años. Aquí apareció con una belleza indescriptible, y en los momentos en que se encontraba junto a la sexy Emma Stone ambas brillaron en pantalla. Y ya que recién mencioné la espectacular y lujosa mansión de (¿Bob Marley?), disculpen... era la de ¡Bill "fucking" Murray!. Una escena auténticamente hilarante y que de seguro habrá sorprendido a una buena cantidad de espectadores. Me encantaría seguir relatando mis escenas favoritas pero supongo que eso arruinaría la crítica y la convertiría en un innecesario desfile de Spoilers. Lo que sí me gustaría destacar es la lograda cinematografía empleada por Fleischer; desde la genial presentación de los créditos hasta la emocionante escena del parque de diversiones. La atmósfera conseguida por el director y la perfecta fotografía empleada (recordándonos en todo momento los lúgubres pasajes, las desérticas carreteras y los lugares "semi" abandonados) hicieron del aspecto visual toda una maravilla.

Tampoco puedo olvidar señalar las buenas escenas gore, que incluyen asesinatos realmente divertidos y que sin duda resultarán un sangriento festín para cualquier aficionado al género. La acción estuvo bien llevada y el film no se hace aburrido en ninguna escena; los momentos pausados y los diálogos entre sus personajes también me parecieron dignos de seguir (y no de ignorar) como frecuentemente ocurre en esta clase de películas, donde solamente deseamos ver la mayor cantidad de vísceras posible; olvidándonos de que tras todo eso debería existir un lazo afectivo entre sus personajes y humanidad en cada uno de ellos, que al mismo tiempo justifique sus acciones y se logre una conexión con el espectador.


El guión es su punto más fuerte, porque a pesar de ser bastante sencillo y directo, no pierde la fuerza que necesita para impulsar el peso dramático de cada escena ni hace reducir el entusiasmo del espectador hasta su tramo final. "Zombieland" resultó exitosa en casi todos sus aspectos, aunque no se puede negar que tuvo algunas fallas, que sin embargo, no lograron afectar a la apreciación que podramos tener sobre ella, pues debajo de tanta brutalidad a la hora de matar zombies, se ocultaba el verdadero corazón de la película y su válido mensaje final sobre la amistad y el auténtico significado de la familia.

Muy pocas películas han podido ser tan entretenidas, humorísticas y emotivas; al menos utilizando al gore como medio para lograr dichos fines. También pocas me han dejado esa sensación de querer volver a repetir la experiencia en el cine o de tener la extrema necesidad de recomendarsela a todo aquel que busque pasarla bomba en el cine. Y como dijo un conocido crítico, "Zombieland" es una fiesta, es como un parque de diversiones donde uno entra y ya no quiere salir... y donde cada quien tendrá sus razones particulares, en mi caso se podría decir que fue por Emma Stone y Abigail Breslin; y claro, por la inesperada pero memorable aparición de Bill Murray y la parodia que hizo junto a Woody Harrelson sobre "Ghostbusters". No todos tenemos la suerte de tener un maquillador que nos enseñe a ser una réplica exacta de un zombie (¡Bien hecho Columbus!); supongo que de ser Bill, también me habría arrepentido por "Garfield".

Calificación: 8.5

"Julie & Julia", Deliciosa película

Argumento: Basada en dos historias reales, la última película de Nora Ephron (Sleepless in Seattle) narra la historia de Julie Powell (Amy Adams), una joven que siente que está desperdiciando su vida y que decide dedicar un año a preparar todas las recetas de “Dominando el Arte de la Cocina Francesa” (Mastering the Art of French Cooking), clásico libro de cocina de la célebre cocinera Julia Child (Meryl Streep). Así, Julie decide aprender a cocinar a su manera con la legendaria cocinera Julia. Durante el año que supone su experiencia como alumna de Child, escribe cada día sus experiencias en un blog que ganará múltiples adeptos.

Crítica: Si hubiera visto "Julie & Julia" antes de crear este blog, probablemente el mismo nunca hubiera decaído. Por lo que al finalizar un año y habiendo cocinado 524 recetas en 365 días... ¡Esperen! ¿Qué estoy diciendo?. Yo no sé prepararme ni una ensalada y acaso pretendo imitar a Julie Powell?. Como sea, es admirable la manera en que la directora Nora Ephron supo llegar al público e inspirárlos a ponerse metas y sobre todo a lograrlas. La película trata sobre dos mujeres, ambas con un punto en común: su pasión por la comida. A partir de allí, la película entrelaza las dos historias, mostrándonos la semejanza que tienen ambas protagonistas y que la única barrera entre ellas es la época en la que viven. El hecho de que Meryl Streep haya encarnado a Julia Child me pareció fantástico, es fascinante apreciarla en los gestos, el tono de voz (perfectamente acentuado) y todo lo que se refiere a su lenguaje corporal. Streep es una excelente actriz y durante su larga carrera se ha metido en toda clase de papeles, logrando hasta el momento 16 nominaciones; aquí vuelve a entregarnos otra brillante interpretación, igual de maravillosa y elogiable que en "Doubt", donde también compartió papel con Amy Adams.

Esta última (como muchos lectores sabrán) se ha convertido en una de mis actrices favoritas desde "Enchanted", y no por nada aplaudo cada actuación suya y de la manera más entusiasta posible. En todo momento me creí su papel de Julie Powell, la dulzura y el encanto que Amy nos transmite en pantalla es digno de imitar (lo que sin duda le falta a actrices como Megan Fox) que sólo se limitan a lo físico y dejan el resto de lado. Confieso que me sentí identificado con su personaje en más de una escena, particularmente cuando se crea el blog y comienza a recibir sus primeros comentarios. Además, tuvo muy buena química con Chris Messina y en todo momento sentí creíble a su relación. Sin embargo, creo que quien realmente se robó la película fue Meryl Streep; resulta imposible no quedar hipnotizado ante tal destreza y perfección, y pese a no haberla visto en demasiados papeles, el hecho de que haya prácticamente "clonado" al personaje de Julia Child me entusiasma aún más para seguir disfrutando de toda su grandeza, y por supuesto, del imborrable legado que ha dejando a la industria cinematográfica.


No me olvido de Stanley Tucci, quien realizó una sencilla pero honesta actuación como Paul Child. La excelente química que tuvo con Meryl Streep es un punto extra a su favor. Pasando a los logros técnicos de la película, me gustaría señalar la sobresaliente banda sonora que en todo momento capturo la esencia de lo que la película quería transmitir y al mismo tiempo, acompañó muy bien a cada escena, resultando discreta, precisa y apropiada; como si estuviéramos saboreando un delicioso platillo cinematográfico, sencillamente excepcional.

El vestuario y la recreación de la época nos logran sumergir completamente en la historia, como si nos olvidáramos que nos encontrámos en el año 2010 y todavía vivimos en el 2002 (o... unos años -o décadas- atrás). La fotografía también merece especial mención ya que mantuvo esa elegancia que combinó dos épocas y dos ciudades bastante distintas, la agitada y ruidosa Nueva York, y la romántica y apasionante París. El guión es, como casi todos los aspectos de la película, sencillo pero honesto, no pretende contar una gran historia, pero sí inspirar a lograr metas que al comienzo nos parecían imposibles, pero que al lograrlas nos hacen sentir superiores.

Pero lo que más aprecié en cuanto a honestidad nos referimos, es que la directora intensificó muy bien las escenas de las caídas emocionales en la vida de ambas protagonistas; no todo era color de rosa. Tanto Julie como Julia tuvieron sus problemas; en ocaciones con las recetas y en otras con sus respectivas parejas. Pero ninguna adversidad pudo ser más grande que su pasión por la comida, y eso es precisamente lo que ambas mujeres nos quisieron dar a entender, y creo que con el excelente trabajo que hicieron, desde la magnífica dirección de Nora Ephron hasta las magistrales actuaciones de Meryl Streep y Amy Adams, se logró realizar una película profunda, emotiva y sobre todo, inspiradora.

No cabe dudas en que "Julie & Julia" contiene fallas, pero son tan imperceptibles que no afectan la percepción en el espectador ni tampoco evitan que su mensaje pueda llegar a él. Si hay algo que me molestó un poco fue la longitud de la película, aunque creo que de otra manera no se hubiera podido desarrollar tan bien ambas historias ni homenajear de igual manera a estas dos excepcionales mujeres. Quienes estén interesados en verla simplemente como entretenimiento (o pensando que será otra comedia romántica más, como "No Reservations") mejor absténganse.


"Julie & Julia" no trata sobre el romance al que estámos mayormente acostumbrados, sino trata sobre el amor de dos mujeres hacia la comida, hacia ponerse metas, a no rendirse sólo porque aparezcan problemas, a aferrarse a algo y lograr lo que uno se proponga. ¿Cuántas películas han tratado de transmitirnos el mismo mensaje sin éxito alguno? ¿Cuántas superproducciones sin alma ni encanto fracasaron en el tema?. Son esas las razones que vuelven a "Julie & Julia" una pequeña joya. A tenerla en cuenta cuando cada uno quiera lograr inspiración y no sepa a qué aferrarse; es probable que esta sencilla película los motive tanto que lleguen mucho más lejos de lo que se habían imaginado.

Calificación: 7

"Up in the Air", otra joya de Jason Reitman

Argumento: Ryan Bingham (George Clooney) es un experto en despedir a gente, contratado de forma externa por otras empresas para reducir personal. Ryan lleva mucho tiempo contento con su despreocupado estilo de vida, viviendo por toda Norteamérica en aeropuertos, hoteles y coches de alquiler. Puede llevar todo lo que necesita en una maleta con ruedas. Es un miembro mimado y de élite de todos los programas de fidelización de viajeros que existen. Y le falta poco para alcanzar el objetivo de su vida: conseguir una secreta y desorbitada cifra de millas de viajero habitual, que le daría acceso a un restringido y selecto club. Sin embargo Ryan no tiene nada auténtico a lo que aferrarse. Cuando se siente atraído por una atractiva compañera de viaje (Vera Farmiga), otra viajera frecuente, el jefe de Ryan (Jason Bateman), animado por una joven y advenediza experta en eficiencia (Anna Kendrick), amenaza con atarle a un despacho. Enfrentado a la perspectiva, a la vez terrorífica de ser destinado a un puesto fijo, Ryan empieza a meditar sobre lo que puede llegar a significar el tener un hogar de verdad.

Crítica: Jason Reitman se ha convertido en uno de los mejores directores de la actualidad, su original estilo narrativo, competentes personajes y emotivas historias cargadas de la genialidad más imponente que nos podamos imaginar, han sido los principales motivos por los que ha sido nominado al Oscar en repetidas ocaciones. "Thanks for Smoking" resultó una divertida sátira social y política acerca de las grandes industrias y de los propios consumidores del tabaco. "Juno" fue básicamente lo mismo, pero con un argumento y un mensaje diferentes. Ahora con "Up in the Air", Reitman prentende introducirnos en la monótona y vacía vida emocional de Ryan Bingham (George Clooney) y hacernos participes de la particular historia que se esconde tras ese elegante traje y esa infaltable maleta que siempre trae consigo. No quisiera especular demasiado con respecto a los mejores momentos de la trama, pero sí me gustaría destacar la excelente combinación que se consiguió con la comedia y el drama, mientras que el anti-empalagoso romance fue la cereza encima de este delicioso postre cinematográfico (y uso ese término ya que es una película -pese al tema que trata- fácil de digerir).


El protagonista es un experto en reducción corporativa que conoce a la mujer de sus sueños... de allí se va desligando la trama; que en manos de otro director menos preparado que Reitman hubiera carecido de la excelencia que con él se logró. La puesta en escena está dotada de perfección y estilo, la fotografía nos muestra un mundo frío y gris, donde predomina una atmósfera que pese a todo nos resulta cálida y reconfortante debido a la creíble humanidad y a la innegable simpatía de los personajes. George Clooney realizó una de las mejores actuaciones de su carrera, el enorme carisma que posee y su singular visión del mundo actual y de la falsedad en las relaciones humanas fueron los mejores puntos de la película. Vera Farmiga se luce en su personaje de Alex Goran, además tiene muy buena química con Clooney en las escenas más románticas (sin olvidar las sexuales). Alex era como la versión femenina de Ryan, incluso ella se lo dice en un momento de la película; la imponente sensualidad que desborda en pantalla destacan lo mejor de sí misma.


Sin embargo, quien más me sorprendió en todo el elenco fue Anna Kendrick con su papel de Natalie Keener, quienes muchos recordarán por su partipación en "Twilight" y su secuela ("New Moon"). En "Up in the Air", Kendrick realiza la mejor interpretación de toda su carrera, aquí no la vemos en un forzado personaje adicional como en la mencionada saga de vampiros (y licántropos) sino como una auténtica mujer que se enfrenta a uno de los trabajos más difíciles y complicados que puedan existir: despedir a los empleados de una empresa. Pero sus conflictos personales (o emocionales) no acaban allí, pues también debe lidiar con la abrupta separación de su novio y la confusión que todo hombre o mujer presenta a su edad, tanto laboral como sentimentalmente.


Jason Bateman tuvo un pequeño pero significativo papel que contribuyó para desarrollar algunas de las escenas más dramáticas y humorísticas de la trama. J.K. Simmons apenas logró aparecer alrededor de 5 minutos (quizás menos), pero la profundidad en los diálogos de su personaje y el extraodinario desarrollo de la conversación que tuvo con Natalie y Ryan acerca de "seguir tus sueños" me pareció brillante y por momentos incluso hilarante. Jason Reitman sin dudas logró plasmar la esencia de su talento en esta intensa y a la vez, conmovedora crítica social (como es tradicional en su estilo). Realmente hay mucho que decir con respecto a "Up in the Air", pero al hacerlo se podría arruinar ligeramente la gratificante experiencia que supondrá para el espectador una vez que la vea. Probablemente quien tenga bajas expectativas con respecto a la película acabe mucho más conforme y satisfecho al terminar de visionarla; eso es exactamente lo que me ocurrió a mí.

Las brillantes y honestas entrevistas a los múltiples empleados de importantes empresas me parecieron fundamentales para adentrarnos en la historia y comprender mejor la vida y el trabajo de los tres personajes principales, sobre todo del protagonista. Dichos momentos se pueden apreciar tanto al comienzo, como a la mitad e incluso al final de la película; sé que no es una técnica narrativa innovadora (recordando que otros filmes como "District 9" también lo utilizaron), pero la modesta y elegante manera en que Reitman las posiciona en cada escena y hace que ninguna pierda ese magnetismo con los eventos ocurridos fueron realmente admirables. El guión es inteligente, crudo, directo y en ocaciones bastante metafórico, pues del mismo se pueden sacar múltiples interpretaciones y probablemente todas estén en lo cierto, ya que no importa la manera como el espectador asimile el mensaje sino que lo haga y saque sus propias conclusiones.

Finalmente me gustaría destacar la excelente banda sonora, hay canciones que lograron adherirse perfectamente a cada momento, particularmente en la escena de la boda. Son por esas razones y por muchas más, que ofrezco una entusiasta y ferviente recomendación hacia "Up in the Air", no será perfecta y quizás contenga fallas que mis inexpertos ojos no hayan notado; sin embargo, creo que los aciertos superaron todas las adversidades y al final nos encontramos con una película que critica a la sociedad sin necesidad de pesados sermones o innecesarios y aburridos reproches políticos y filosóficos. Percibo un gran futuro en la carrera de Jason Reitman, sus tres actuales películas resultaron fantásticas y se podría decir que cada nueva obra de este director supera a la anterior. Esperemos que "Up in the Air" (así como "The Hurt Locker", de Kathryn Bigelow) obtenga el debido reconocimiento y la verdadera aceptación que merece, ya lo hizo la crítica, ahora solo falta que el público lo haga. No es habitual que una película me genere tantas ganas de repetir su visionado en cine, basta con decir que ya he ido cuatro veces... y si Jason Reitman o George Clooney no bastan, siempre tendrémos a Vera Farmiga o a Anna Kendrick para deleitarnos en pantalla; supongo que el titulo "Amor Sin Escalas" no estuvo tan mal.

Calificación: 9.5

"Avatar", triunfal regreso de Cameron

Argumento: Nos situamos en un futuro lejano. Jake Sully (Sam Worthington) es un veterano de guerra que ha quedado parapléjico. En medio de su desesperación, es trasladado al planeta Pandora, habitado por la raza alienígena de los Na’vi. Sin embargo, Sully no llega a ese lugar con su identidad terrestre. En realidad, han proyectado a un avatar del marine, muy diferente en su aspecto. Transformado en un extraterrestre alto y de piel azulada, Sully pasa a integrarse en la cultura de los Na’vi, hasta tal extremo que llega a enamorarse de una alienígena (Zoë Saldaña). Con el tiempo, el terrestre se convertirá en líder de los Na’vi en su lucha por la supervivencia. Grace (Sigourney Weaver), una botánica sumamente decidida e idealista, es quien guía los pasos de Sully en su prodigiosa aventura. En sus investigaciones coincide con un antropólogo (Joel David Moore) que también se interesa por la civilización Na’vi.

Crítica: Cuando se estrenó "Titanic" hace más de 10 años, nadie imaginó que James Cameron revolucionaría al cine; quizá no nos deslumbró por su destreza narrativa sino por el emotivo clímax que se experimienta al final. Consideraría un error categorizar a "Titanic" como una obra maestra, porque no lo es; aunque Cameron todavía merece nuestros aplausos por su lograda técnica visual y su habilidad para transmitirnos la misma pasión que él sintió al realizar la película. Lo que me lleva a compararla con "Avatar", la nueva maravilla que nos ha entregado luego de largos años de trabajo. Desde que la canción de Tweenty Century Fox llega a su fin, Cameron nos introduce en su espectacular universo y nos hace participes de su emocionante historia; Sam Worthington es el primer personaje y con quien rápidamente entablamos un vínculo... durante la película disfrutamos de una fascinante odisea cargada de acción, aventuras, y un floreciente romance entre el protagonista (Jake Sully) y una bella Na'vi (Neytiri). "Avatar" consigue lo que pocas películas han logrado transmitir, emoción y credibilidad pese a ser una historia de ficción aunque muy cercana a la realidad en muchos de sus aspectos.

Los efectos especiales resultan impresionantes, creo que Cameron merece ganar un Oscar ya que se notó un tremendo esfuerzo de su parte. Las extensas escenas de acción no afectaron a la narrativa y eso es lo más sorprendente de todo, ya que si recomendarmos a directores como Michael Bay, podemos darnos cuenta de que no manejan una coordinación de su historia y tienden a optar por la cantidad de tiroteos y explosiones que contendrán cada escena, dejando de lado la parte realmente significativa de la historia, el guión. ¿Qué sentido tiene ver un desfile de pirotécnicos efectos especiales y cero argumento? Probablemente ninguno... ¿Pero saben algo? A nadie le importa, porque al fin y al cabo lo que vende es la destrucción masiva, un atractivo protagonista y su sensual compañera (¿Alguien nombró a Shia LaBeouf y Megan Fox?). El punto es que "Avatar", evita ser un eslabón más en esa mediocre escalera fílmica, que se vale de una excesiva superproducción para encubrir su vacua narrativa, blandos personajes y predecible descenlase. Aquí tenemos al valiente ex-marine reclutado para una peligrosa misión: viajar a Pandora, donde las corporaciones están extrayendo un mineral extraño que es la clave para resolver los problemas de la crisis energética de la Tierra.


Como he mencionado, allí conoce a Neytiri, quien le salva la vida de una feroz criatura que intentaba devorarlo... de a poco, se van conociendo mejor y se convierten en amigos; por supuesto, esa "relación" resulta sospechosa para el resto de los Na'vi, quienes desconfían de Jake Sully; y no hace falta ser un genio para adivinar el predecible rumbo de la trama. Jake y Neytiri se enamoran, surgen los problemas, comienza la gran batalla entre los -alienígenas- y los Na'vi... para que luego el Sr. Michael Bay (disculpen, hablaba de los efectos especiales) hagan su deslumbrante aparición. Realmente se agradece que James Cameron haya tenido completo control de su historia; en ningún momento sentimos falsedad en la "predecible" relación que mantienen Jake y Neytiri, y si bien no es muy difícil saber el descenlase romántico de su amorío, tampoco nos resulta artificial, sino que a pesar de todo, nos encariñamos con ellos. Lo más destacable (como estuve leyendo en otra crítica) fue la profunda mirada de los personajes, que lograron transmitir mucho más de lo que decían sus diálogos y para mí eso es un logro tremendo. La película dura 161 minutos y no hay una sola escena donde perdamos el interés o algo deje de impresionarnos, la ambientación de Pandora fue uno de los aspectos más logrados por Cameron, la hermosa combinación de colores (principalmente el azul, el verde y el violeta) reflejan no solo la excelencia artística y la majestuosidad visual que este director siempre exhibe en sus películas, sino que también nos demuestra su gran desempeño para coreografíar espectaculares secuencias de acción sin perder el hilo de la trama ni opacar el enorme talento de su elenco.


Hablando del elenco, creo que Sam Worthington realizó una mejor interpretación como Jake Sully en "Avatar" que como Marcus Wright en "Terminator Salvation", aquí lo sentimos real (incluso a su Avatar) y nunca se pierde la credibilidad en su personaje ni mucho menos en su actuación... realmente es quien se destaca en el reparto. Tampoco excluyo a Sigourney Weaver que está acostumbrada a trabajar en el género fantástico; basta con recordar la excelente "Alien" de Ridley Scott para darnos cuenta de su talento, su papel de la Dr. Grace Augustinela, una botanica interesada en todo lo relacionado a la flora, es decir, a la naturaleza y practicamente tiene una filosofía propia sobre su trabajo, lo cuál se puede notar en una de las conversaciones que tiene con el personaje de Parker Selfridge, interpretado por el carismático Giovanni Ribisi. Aprecié bastante a Michelle Rodriguez haciendo el papel de Trudy, se logró destacar en un fantástico tiroteo con el Colonel Miles Quaritch (Stephen Lang) y claro, cómo podría olvidar a Zoe Saldana dando vida a la hermosa e intrépida Neytiri, sencillamente maravillosa. Pasando a la cinematografía empleada por Cameron -reitero- es uno de los aspectos más destacables dentro del fascinante universo de "Avatar", supongo que por eso ha llegado a la cumbre de Hollywood y ha sabido triunfar con cada proyecto que ha realizado... si rompió records de taquilla con "Titanic", ahora es probable de que algo similiar ocurra, y no me extrañaría que el Box Office Mojo publique las millonarias cifras obtenidas con su nuevo film, ya que su rotundo éxito estará justificado.

En pocas palabras, se podría decir que "Avatar" ofrece no solo entretenimiento pochoclero, sino que también tiene una fascinante historia tras sus asombrosos efectos especiales y su avanzada técnica visual... el mensaje que nos deja Cameron es totalmente válido y creo que cada espectador lo interpretará de manera diferente, lo que podría ser bueno o malo dependiendo de cada uno; es probable que incluso genere debates políticos y sociales debido a la pequeña crítica que realiza sobre los mismos (invisibles ante los espectadores convencionales pero resplandecientes ante un verdadero amante del cine) y no me extrañaría que en cada crítica encuentre una opinión muy diferente de la otra... es lo que Cameron ha querido, y es lo que finalmente ha logrado. Por lo tanto, "Avatar" merece una sólida recomendación hacia quienes deseen implantar en su memoria las mejores escenas de acción que se han visto en mucho tiempo, y pese a resultar convencional en algunos aspectos, eso no le quita méritos a su realizador ni a su obra. No les garantizo una experiencia perfecta, pero sí fascinante y probablemente, inolvidable. ¡Gracias por otra maravilla Sr. Cameron!

Calificación: 9

"Mulholland Drive", la Obra Maestra de Lynch

Argumento: Después de un accidente de coche en la carretera Mulholland Drive de Los Ángeles, una mujer medio inconsciente se oculta en una casa. Betty, la sobrina de la propietaria, una aspirante a actriz recién llegada a Hollywood, la encontrará totalmente amnésica y decide ayudarla. En el bolso de la desconocida encuentran una llave azul y varios fajos de billetes. El recuerdo de un nombre, Diane Selwyn, las ayudará en el intento de averiguar la identidad de la misteriosa mujer.

Crítica: Quizás pocos lo sepan, pero "Mulholland Drive" es mi película favorita, es por eso que creí conveniente escribir sobre ella; pues la considero una auténtica obra maestra y posiblemente el mejor trabajo del director David Lynch. Es imposible expresar con palabras los sentimientos que me transmite al verla... visualmente es una joya; la fotografía es excelente, la ambientación realmente fascinante y la música (a cargo del brillante Angelo Badalamenti) me pareció magistral. Esta es una película única y excepcional, a la que uno ama u odia, donde jamás podrá existir un término medio; nunca dejará indiferente a nadie. Eso es lo que más admiro de David Lynch, su capacidad para sumergir al público en los oscuros y oníricos mundos que crea, utilizando a personajes complejos y narrando la trama con cierto aire de innovación con el fin de capturar nuestro interés hasta la última escena... exactamente eso ocurre en "Mulholland Drive", pero esta vez, Lynch se ha superado, ya que hace tiempo una película no me producía ese encanto y fascinación tan profundas que motivaban a mi subconsciente a seguir dandole vueltas a la historia y tratando de unir las piezas del confuso rompecabezas que creo Lynch.

Encuentro difícil hablar sobre una película a la que verdaderamente aprecio, pues me resulta inevitable resaltar sus logros tanto artísticos como narrativos, y probablemente deje de lado sus pequeñas deficiencias e invisibles fallas. Tampoco quiero reverlarles mucho sobre el argumento, ya que la experiencia completa se trata de un autodescubrimiento, lo cuál significa que estamos ante una película de lo más personal e íntima, que se introduce en lo profundo de nuestras mentes y saca a flote nuestros sentimientos más ocultos y mejor guardados... esta es una de esas historias a las que se pueden atribuir diversas interpretaciones y donde cualquiera puede ser válida si es que logramos unir las piezas y las tratamos de encajar a nuestro própio entender. Las múltiples pistas que nos deja "Mulholland Drive" pueden servir para dos cosas, una de ellas para comprender mejor el misterio tras el accidente ocurrido en la mencionada carretera y cuál es la identidad de "Rita", o también pueden ser útiles para despistarnos aún más. Sin embargo, se agradece que Lynch haya optado por el camino difícil y en vez de entregarnos una historia aburrida y convencional, prefirió obligar a pensar al espectador y no dejar pistas fáciles... de hecho, la trama es tan inteligente, atrapante y precisa, que ningún cabo queda suelto si uno se pone a pensar más allá de lo que sus ojos han visto.

El guión (también escrito por David Lynch), me pareció perfecto; hace tiempo que no veía unos diálogos de tan alto calibre ni unos personajes que tan bien los interpreten. Hubiera sido imposible lograr la perfección absoluta sin la maravillosa Naomi Watts, quién interpreta a una aspirante a actriz que llega a Hollywood con los sueños y las esperanzas en alto; Naomi sorprendió a la crítica con su perfecta actuación, el personaje de Diane Selwyn (y Betty Elms) jamás podrá ser igualado por ninguna actriz; fue injusto que no le hayan otorgado un Oscar (ni aquí ni en "21 Grams"). Laura Elena Harring interpreta a Rita, una mujer amnésica que tuvo un accidente en la carretera Mulholland Drive, Harring se destacó como la segunda actriz protagónica del film; ambas mujeres lograron lucirse en las escenas de erotismo, donde las dos se besaban y tocaban apasionadamente, mientras la cámara enfocaba lo que deseabamos ver (si me entienden)... en esos momentos la fotografía juega un papel muy importante y se agradece la elegante ambientación y la magnífica música de Badalamenti. Justin Theroux aportó sutileza al enigmático personaje que interpetó; su papel como director de cine al que la mafia le impone la protagonista me pareció brillante; realmente me identifiqué con él, sobre todo en las escenas donde tuvo la conversación con El Cowboy (prestar atención a su particular discurso).

Pasando a la parte técnica, debo catalogar a la producción de magistral, ya que lograron una fantástica ambientación, muy própia de los sueños más oníricos y de los enigmas más indescifrables... todo ello tras el desbordante talento de David Lynch y su perfecto elenco. Recuerdo que "Memento" presentaba una trama con igual desorden y desestructuración narrativa; la historia en sí no era complicada, lo caótico era ordernar cada escena y tratar de descifrar lo que realmente ocurrió luego de que el protagonista (Leonard Shepard - Guy Pearce) haya sufrido de amnesia anterógrada al intentar evitar el asesinato de su mujer. Una narrativa similar se aprecia en "Mulholland Drive", aunque con mucha más complejidad y surrealismo. Mientras escribo este artículo voy recordando escenas y momentos de la película, y me gustaría destacar uno en particular (el del Club Silencio), sitio al que Betty y Rita van luego de quedarse dormidas tras haber hecho el amor; es imposible olvidar las frases tan peculiares del Mago al pronunciar su pequeño discurso: No hay banda, no hay orquesta, todo es una grabación; oyen una trompeta pero nadie la está tocando (...) y ni hablar del momento cuando Rebekah Del Rio canta "Llorando" y las dos protagonistas que se abrazan y comienzan a llorar. Sinceramente he compartido sus lágrimas y sentido su dolor. ¿Cuántas peliculas pueden transmitirnos esas emociones? ¿Cuántas logran llegar hasta el profundo de nuestro subconsciente?

Otra escena que me resultó memorable fue el momento cuando Adam Kesher (Justin Theroux) está audicionando actrices o cuando le dan el papel protagónico a Rita y no a Betty. Pero todas las escenas quedan en segundo plano si recordamos cuando ambas mujeres estaban el fiesta de Adam, Rita da la noticia de que está comprometida con el mencionado director y para empeorar las cosas, una mujer se acerca a Rita y le da un beso, lo cuál enfurece tanto a Betty que probablemente allí haya decidido contrar a un asesino para matarla. Pero mejor me abstengo de revelar tantos Spoilers y dejaré que cada uno descubra los misterios y descifre los enigmas mediante ve la película, aunque eso será tecnicamente imposible ya que la historia es tan caótica y confusa que resulta imposible entenderla a la primera, requiere por lo menos de un segundo o tercer visionado, y claro, de muchas búsquedas en Internet sobre páginas donde expliquen la trama y los acontesimientos ocurridos, pues todo tiene un porqué, solo hace falta que la predispoción del espectador y un poco de paciencia, pues "Mulholland Drive" no es una película fácil, requiere de mucha concentración en la trama y compenetración con la protagonista (hablo en singular, porque practicamente fue Diane la causante de todo, o al menos, el amor que sentía por Camilla).

Finalmente (y para no extender aún más esta crítica) diré que "Mulholland Drive" es tan maravillosa como confusa; uno no sabe exactamente el motivo por el que le gusta, ni tampoco porqué a pesar de no haberla entendido, nos deja una sensación de encanto y fascinación cuando la terminamos de ver. David Lynch ha creado una obra brillante e insuperable; la que probablemente haya sido el eslabón más alto de su carrera y uno de los trabajos que más lo ha marcado como director. Es una lástima que la Academia no la haya tenido en cuenta en ninguna categoría y que la hayan privado de todos los Oscar que merecía... supongo que ese año estaban demasiado preocupados con "The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring" o con el irritante papel de Sean Penn en "I Am Sam". De cualquier forma, me parece ridículo que hayan ignorando el excelente trabajo de David Lynch y la perfecta actuación de Naomi Watts (que verdaderamente merecía un Oscar), pero más impresionante aún es que no haya recibido los suficientes votos en IMDb para formar parte de las 250 Mejores Películas. Indudablemente "Mulholland Drive" no está realizada para un público mayoritario, y eso la vuelve aún más elegante y sofisticada... dudo mucho que el cine me vuelva a entregar una obra tan maravillosa y deleitable como esta. Será difícil aplaudir al final... ya que el Silencio se ha destacado por su bella, imperceptible y a la vez, trágica melodía.

Calificación: 10

"Funny Games U.S.", sádica y pertubadora

Argumento: Ane (Naomi Watts) se dirige a su casa de veraneo junto al lago con su marido George (Tim Roth) y su hijo de diez años Georgie (Devon Gearhart) para desconectar del trabajo. Poco después de instalarse, un par de jóvenes llaman a la puerta para darles la bienvenida a la zona, sin embargo, a pesar de las buenas palabras, atizan a George sin perder la sonrisa en su cara. A partir de ahí, los jóvenes confesarán a la familia que todo se trata de un juego simple: apostar a que deberán sobrevivir hasta el amanecer.

Crítica: El director Michael Haneke ha hecho una réplica exacta de la primera "Funny Games" realizada en 1997. Honestamente no he visto la versión original, por lo que no puedo especular demasiado al respecto. El remake, al que absurdamente añadieron las siglas U.S. quizás haciendo referencia a que la primera película era austriaca y esta "nueva versión" es norteamericana. A como de lugar, creo que eso no afectará a las emociones y a las reacciones que trascenderán en el espectador mientras la vea. "Funny Games" no es una película fácil, carece completamente de foco narrativo, sentimos ese ambiente surrealista y desequilibrado que el director nos impone, como si fuera una obligación.

La trama tiene problemas de ritmo, a ratos es fluida, pero mayormente predominan las escenas pausadas, donde los diálogos se anteponen a las acciones y las emociones se cocinan lentamente; inteligente estratégia, lástima que el guión contenga tantos baches narrativos que haya sido imposible mantener nuestro interés tanto por los personajes como por la historia. No es una película relativamente sangrienta, aunque contiene muchas escenas perturbadoras que podrán herir la sensibilidad de algunos espectadores... ciertamente hemos visto gore de mejor calidad y manufactura en cintas realmente bestiales como en la saga de "Saw" o en la misma "Hostel". Michael Haneke reunió a un buen elenco para interpretar a sus inestables personajes, de los cuales ha sacado digno provecho.

Naomi Watts nos vuelve a deleitar con una de sus intensas actuaciones; como sabrán, esta aclamada actriz se ha ganado el respeto de la crítica y la admiración del público desde la fascinante "Mulholland Drive", dirigida por David Lynch. Haneke aprovecha el talento de su protagonista y la utiliza para que el público entable una conexión psicológica con su personaje, se compenetre con el mismo y sienta como si fueran ellos los que estan viviendo la interminable pesadilla de esa mujer. Tim Roth ha sido uno de los actores más aplaudidos desde que tuvo sus inicios en el cine de Tarantino, nada más recuerden la salvaje y retorcida "Reservoir Dogs" o la brillante y divertida "Pulp Fiction", en ambas se ha destacado como un actor de primera categoría; en "Funny Games" su talento afortunadamente no se ve opacado por el de Naomi, sino que potenciado e incluso mejor posicionado pues los dos interpretan a una pareja creíble, a la que podemos tomar en serio en todas las escenas donde tienen aparición.


Michael Pitt se destaca como el perverso e inteligente villano que junto con su pareja (Brady Corbett) hacen una dupla fascinante y tan siniestra que colman a la trama de un aire denso y un clima asfixiante... obligandonos a descender a los infiernos de la más inhumana crueldad y la más perturbadora realidad. Ambos villanos se encargan de torturar tanto física como psicológicamente a la indefensa familia, aportando esa incomodidad e inseguridad al espectador. La película no tiene piedad, ni de sus personajes ni del público, el suspenso logra acrecentarse en cada escena y la tensión se va haciendo más vívida e intensa a medida que avanza la historia y se deja de lado toda piedad y compasión humana, para que los personajes se centren en el único objetivo importante: la supervivencia.

Como hace un rato mencione, "Funny Games" no es una película fácil; tampoco es ideal verla si esperan entretenimiento o vísceras sin sentido alguno... la experiencia ciertamente es visceral, pero no precisamente por la cantidad de gore que contenga la película, sino por la crueldad de sus villanos, la dualidad moral de sus personajes y el enfermizo e insano tono de la historia. Haneke tuvo control absoluto sobre el guión, aunque el mismo haya contenido ciertos altibajos y huecos narrativos; se destacan un par de diálogos profundamente retorcidos y una violencia injustificada e irracional que prentede serlo simplemente para poner órden el universo. Visualmente la película esta bien cuidada; la fotografía y los planos estan perfectamente expuestos y todo nos resulta minimalista y claustrofóbico (hasta los espacios abiertos). Muchos la podrán comparar con "The Strangers", un thriller protagonizado por Liv Tyler y Scott Speedman, justamente estrenado en la misma época; aunque personalmente las encuentro diferentes en todos sus aspectos, salvo en lo irracional de su libreto y el quebramiento del convencionalismo fílmico para contar una historia conocida desde otra óptica con el fin de dar la sensación de innovación.

No esperen un espectáculo visual ni respuestas fáciles, tampoco lógica ni consistencia narrativa, "Funny Games" evita caer en lo habitual, procura ser extraña, perversa, bizarra, pertubadora y a parte de todo, de añadir su própio e inclasificable estilo a un género que hace tiempo pide innovación. Michael Haneke no es un director de quién me considere seguidor, pero admiro la manera como logra llegar al público y no dejar indiferente a nadie; a su película la amas o la odias, tal cuál es el cine de David Lynch, y tal cuál debería ser el cine de cualquier director cuyas obras sean más que simples películas sino que provoquen sentimientos y reacciones, a veces sin importar que tanta polémica o rechazo puedan generar. Sinceramente no me he divertido con esta película, pues la he pasado verdaderamente mal, desde los créditos iniciales (con los inquietantes planos y la distorcionada música) hasta el desquiciante final.

La sencillez del libreto ayuda bastante para aumentar el nivel de realismo y volverla impactante con elementos cotidianos. Cabe destacar que "Funny Games" contiene un par de escenas que nos podrán resultar excesivamente lentas y tediosas; a destacar el momento cuando Naomi Watts yace en el suelo de una habitación y la cámara enfoca un plano fijo durante quizás dos minutos, como si se hubiera quedado congelada... no se si resultará brillante o magistral para algunos estudiosos de fotografía pero en lo personal lo vi innecesario, irritante y hasta pretencioso, pero en general la película funciona y las emociones son transmitidas casi en su totalidad de manera sólida, consistente y creíble. Claro que no puedo asegurarles una experiencia demasiado original ni memorable, pero "Funny Games" contiene escenas que dificilmente se borrarán de nuestra memoria, especialmente en el tramo final de la historia... donde ya nada importa y todo carece de sentido, o al menos si buscamos lógica a una película que abraza lo irracional y revela los instintos más primitivos del ser humano: la violencia del cazador contra la presa, la venganza de la presa contra el cazador... o quizás debería decir "cazadores".

Calificación: 7

"Antichrist", La demencia de Lars von Trier

2009: Festival de Cannes: Mejor actriz (Charlotte Gainsbourg) / Terror. Thriller Psicológico / SINOPSIS: Para ayudar a su mujer a superar la muerte accidental de su hijo, su marido, psicólogo, decide llevarla a una cabaña perdida en medio de un bosque, el lugar donde ella pasó el último verano con su pequeño. Pero la terapia no parece funcionar, ella comienza a comportarse de modo extraño, y la naturaleza también. Dirigida por Lars Von Trier. Duración: 104 minutos.

Crítica: Cuando uno ve ésta clase de películas siempre se pregunta ¿A qué clase de persona se le podría ocurrir algo así? ¿En qué mente enferma puede tener cabida tal demencia? Pues les advierto que si verán alguna película de Lars Von Trier deben prepararse tanto mental como psicológicamente. Sus obras tienden a ser transgresoras y provocativas, eliminando la censura y resaltando ese lado oscuro que los directores convencionales temen sacar a la luz; ese lado siniestro, que pertuba pero que a la vez deslumbra. El caso de "Antichrist", la película más reciente del mencionado director, es una mezcla de muchas ideas y conceptos que alternan entre lo religioso y lo espiritual, mientras que también se examina el lado racional y psicológico de cada suceso.

La película está brillantemente protagonizada por el singular Willem Dafoe y la perfecta Charlotte Gainsbourg; Dafoe interpreta a un psicólogo que debe hacerse cargo del caso de su própia esposa, pues desde la muerte de su bebé, ella no consigue superar el temor y la culpa; entonces su esposo decide iniciar una especie de terapia y comienza a analizar a su mujer, investigando su pasado y ayudándola a superar sus miedos. Cuando le pregunta cuál es el lugar más feliz donde ha estado con su hijo, ella le responde, temerosamente, que fue en una pequeña cabaña del bosque. Entonces, su esposo decide llevarla al lugar (irónicamente llamado "Edén"), y es allí donde su mujer comienza a actuar de manera extraña y a comportarse como si una fuerza superior a ella yaciera en lo profundo de su ser... mientras que la naturaleza también lo hacía. Esa básicamente es la premisa que nos expone "Antichrist"; creo que el argumento es bastante sencillo y accesible, no tiene muchas complicaciones (más allá de la trama) y todo se entiende, salvo que uno desee analizar el "porqué" de cada hecho.


Von Trier declaró que la historia le vino a la mente en una etapa de depresión, y fue allí cuando comenzó el rodaje; no se si su estado de ánimo habrá influido en la película (aunque sospecho que sí), y creo que es necesario que un director viva y sienta lo que quiere comunicar al público con su película... en esta ocación, Von Trier se ha destacado, y pese a no habernos entregado el mejor filme de su carrera, ha logrado instalar al espectador en un universo demencial, donde una oscura historia se desarrollaba en el lugar más bello de la Tierra. La película carece de ritmo, en más de una ocación llegué a perder el interés y muchas escenas me resultaron bastante lentas; sé que fue intencional y que el objetivo de Von Trier era que nos compenetremos con los personajes, pero al menos en mi caso, no se ha logrado... es cierto que ambos protagonistas resultan muy creíbles, pero les faltó algo más de humanidad o "vida" a sus frías y calculadas expresiones.

La fotografía estuvo realmente bella; el constraste entre luz y oscuridad, el juego de sombras, los tensos movimientos de cámara, los inquietantes planos, las explícitas escenas sexuales, el excesivo morbo y la total ausencia de censura, convierten a "Antichrist" en una película que se desnuda ante nuestros ojos y nos expone un horror que evoluciona y concluye convirtiendose en belleza fílmica. Hablando de evolución, la historia transcurre con un ritmo pausado, las emociones se condensan y llegan al espectador, pero muchas veces hubo dificultades para que ese proceso se pueda lograr; para empezar, el surrealismo con el que está narrada la película logra confundir al público, al hacerlo, vamos perdiendo la conexión con los personajes y nos distanciamos de la historia, porque empezamos a analizar cada hecho. Buscamos una razón lógica para todos los sucesos, tratámos de separar la ficción de la realidad... ¿Para qué? Pues la verdad que no le encuentro el sentido; yo ví la película con la mente abierta, interpretando cada escena desde mi punto de vista, no precisamente para buscarle el sentido a cada acción, y creo que por eso terminé disfrutandola mucho más de lo que otros han hecho. Quizás la mayor particularidad de "Antichrist" es que contiene mucha filosofía de transfondo, mucha psicología, abundante profundización emocional en sus personajes... probablemente por eso dividió a la crítica y no fue muy aceptada fuera de Cannes.


Pasando al guión... el mismo cuenta con ligeras fallas, algunos diálogos se sienten muy vacíos, otros, demasiado sobrecargados; los abundantes lapsos de "silencio" (es decir, cuando ninguno de los protagonistas se hablan), funcionaron bastante bien, la tensión pudo fluir sin obstáculos narrativos a través de la trama y la angustia y la desesperación lograron instalarse en el espectador. La densa atmósfera, la inquietante musicalización, la siniestra ambitación y las brillantes actuaciones de Dafoe y Gainsbourg hacen de la demoníaca película de Von Trier, un auténtico festín de provocación fílmica, libertad de expresión, transgresión religiosa y malsano entretenimiento (para quién sea que lo encuentre). Sinceramente los 104 minutos de duración resultan justos; y el final, pese a no resultar muy creíble (sino más bien abrupto y pretencioso), llega a emocionar debido a la poderosa belleza visual y estilística del blanco y negro que utiliza Von Trier para teñir la pantalla.

"Antichrist" no es precisamente una película gore, de hecho, tampoco es una película acerca del satanismo o la perversidad erótica... se trata simplemente de una competente maravilla cinematográfica que recibió bastantes críticas y obtuvo una buena cantidad de premios en Cannes, incluso siendo catalogada como la película más impactante y perturbadora en la historia de dicho festival. Como es bien sabido, el tema religioso siempre vende, lo supo Dan Brown con "The Da Vinci Code" y lo intuyó Ron Howard con las adaptaciones fílmicas; incluso Marilyn Manson (y otros cientos de musicos más) saben que la Iglesia y sus seguidores protestarán ante cada indicio de tema religioso en tal película o disco musical. Von Trier seguramente lo tiene memorizado, pues no por nada "Antichrist" resultó tan desquisiante y enfermiza... realmente me cuesta trabajo recomendarla; no piensen mal, es una muy buena película, quizás con ciertas fallas dentro de su ejecución, pero con las suficientes gratificaciones narrativas y visuales como para complacernos como espectadores, pero el exhaustivo uso del morbo (empleado tanto en la violencia como en el sexo), resultan bastante desagradables y por un lado podría impresionar mucho a espectadores convencionales... pero quién pueda dejar de lado sus prejuicios y tenga la mente abierta y el estómago de hierro, entonces evite perderse de esta intensa experiencia donde von Trier hace de las suyas; lástima que el resultado final haya sido visualmente impecable pero narrativamente deficiente.

Calificación: 7