"Avatar", triunfal regreso de Cameron

Argumento: Nos situamos en un futuro lejano. Jake Sully (Sam Worthington) es un veterano de guerra que ha quedado parapléjico. En medio de su desesperación, es trasladado al planeta Pandora, habitado por la raza alienígena de los Na’vi. Sin embargo, Sully no llega a ese lugar con su identidad terrestre. En realidad, han proyectado a un avatar del marine, muy diferente en su aspecto. Transformado en un extraterrestre alto y de piel azulada, Sully pasa a integrarse en la cultura de los Na’vi, hasta tal extremo que llega a enamorarse de una alienígena (Zoë Saldaña). Con el tiempo, el terrestre se convertirá en líder de los Na’vi en su lucha por la supervivencia. Grace (Sigourney Weaver), una botánica sumamente decidida e idealista, es quien guía los pasos de Sully en su prodigiosa aventura. En sus investigaciones coincide con un antropólogo (Joel David Moore) que también se interesa por la civilización Na’vi.

Crítica: Cuando se estrenó "Titanic" hace más de 10 años, nadie imaginó que James Cameron revolucionaría al cine; quizá no nos deslumbró por su destreza narrativa sino por el emotivo clímax que se experimienta al final. Consideraría un error categorizar a "Titanic" como una obra maestra, porque no lo es; aunque Cameron todavía merece nuestros aplausos por su lograda técnica visual y su habilidad para transmitirnos la misma pasión que él sintió al realizar la película. Lo que me lleva a compararla con "Avatar", la nueva maravilla que nos ha entregado luego de largos años de trabajo. Desde que la canción de Tweenty Century Fox llega a su fin, Cameron nos introduce en su espectacular universo y nos hace participes de su emocionante historia; Sam Worthington es el primer personaje y con quien rápidamente entablamos un vínculo... durante la película disfrutamos de una fascinante odisea cargada de acción, aventuras, y un floreciente romance entre el protagonista (Jake Sully) y una bella Na'vi (Neytiri). "Avatar" consigue lo que pocas películas han logrado transmitir, emoción y credibilidad pese a ser una historia de ficción aunque muy cercana a la realidad en muchos de sus aspectos.

Los efectos especiales resultan impresionantes, creo que Cameron merece ganar un Oscar ya que se notó un tremendo esfuerzo de su parte. Las extensas escenas de acción no afectaron a la narrativa y eso es lo más sorprendente de todo, ya que si recomendarmos a directores como Michael Bay, podemos darnos cuenta de que no manejan una coordinación de su historia y tienden a optar por la cantidad de tiroteos y explosiones que contendrán cada escena, dejando de lado la parte realmente significativa de la historia, el guión. ¿Qué sentido tiene ver un desfile de pirotécnicos efectos especiales y cero argumento? Probablemente ninguno... ¿Pero saben algo? A nadie le importa, porque al fin y al cabo lo que vende es la destrucción masiva, un atractivo protagonista y su sensual compañera (¿Alguien nombró a Shia LaBeouf y Megan Fox?). El punto es que "Avatar", evita ser un eslabón más en esa mediocre escalera fílmica, que se vale de una excesiva superproducción para encubrir su vacua narrativa, blandos personajes y predecible descenlase. Aquí tenemos al valiente ex-marine reclutado para una peligrosa misión: viajar a Pandora, donde las corporaciones están extrayendo un mineral extraño que es la clave para resolver los problemas de la crisis energética de la Tierra.


Como he mencionado, allí conoce a Neytiri, quien le salva la vida de una feroz criatura que intentaba devorarlo... de a poco, se van conociendo mejor y se convierten en amigos; por supuesto, esa "relación" resulta sospechosa para el resto de los Na'vi, quienes desconfían de Jake Sully; y no hace falta ser un genio para adivinar el predecible rumbo de la trama. Jake y Neytiri se enamoran, surgen los problemas, comienza la gran batalla entre los -alienígenas- y los Na'vi... para que luego el Sr. Michael Bay (disculpen, hablaba de los efectos especiales) hagan su deslumbrante aparición. Realmente se agradece que James Cameron haya tenido completo control de su historia; en ningún momento sentimos falsedad en la "predecible" relación que mantienen Jake y Neytiri, y si bien no es muy difícil saber el descenlase romántico de su amorío, tampoco nos resulta artificial, sino que a pesar de todo, nos encariñamos con ellos. Lo más destacable (como estuve leyendo en otra crítica) fue la profunda mirada de los personajes, que lograron transmitir mucho más de lo que decían sus diálogos y para mí eso es un logro tremendo. La película dura 161 minutos y no hay una sola escena donde perdamos el interés o algo deje de impresionarnos, la ambientación de Pandora fue uno de los aspectos más logrados por Cameron, la hermosa combinación de colores (principalmente el azul, el verde y el violeta) reflejan no solo la excelencia artística y la majestuosidad visual que este director siempre exhibe en sus películas, sino que también nos demuestra su gran desempeño para coreografíar espectaculares secuencias de acción sin perder el hilo de la trama ni opacar el enorme talento de su elenco.


Hablando del elenco, creo que Sam Worthington realizó una mejor interpretación como Jake Sully en "Avatar" que como Marcus Wright en "Terminator Salvation", aquí lo sentimos real (incluso a su Avatar) y nunca se pierde la credibilidad en su personaje ni mucho menos en su actuación... realmente es quien se destaca en el reparto. Tampoco excluyo a Sigourney Weaver que está acostumbrada a trabajar en el género fantástico; basta con recordar la excelente "Alien" de Ridley Scott para darnos cuenta de su talento, su papel de la Dr. Grace Augustinela, una botanica interesada en todo lo relacionado a la flora, es decir, a la naturaleza y practicamente tiene una filosofía propia sobre su trabajo, lo cuál se puede notar en una de las conversaciones que tiene con el personaje de Parker Selfridge, interpretado por el carismático Giovanni Ribisi. Aprecié bastante a Michelle Rodriguez haciendo el papel de Trudy, se logró destacar en un fantástico tiroteo con el Colonel Miles Quaritch (Stephen Lang) y claro, cómo podría olvidar a Zoe Saldana dando vida a la hermosa e intrépida Neytiri, sencillamente maravillosa. Pasando a la cinematografía empleada por Cameron -reitero- es uno de los aspectos más destacables dentro del fascinante universo de "Avatar", supongo que por eso ha llegado a la cumbre de Hollywood y ha sabido triunfar con cada proyecto que ha realizado... si rompió records de taquilla con "Titanic", ahora es probable de que algo similiar ocurra, y no me extrañaría que el Box Office Mojo publique las millonarias cifras obtenidas con su nuevo film, ya que su rotundo éxito estará justificado.

En pocas palabras, se podría decir que "Avatar" ofrece no solo entretenimiento pochoclero, sino que también tiene una fascinante historia tras sus asombrosos efectos especiales y su avanzada técnica visual... el mensaje que nos deja Cameron es totalmente válido y creo que cada espectador lo interpretará de manera diferente, lo que podría ser bueno o malo dependiendo de cada uno; es probable que incluso genere debates políticos y sociales debido a la pequeña crítica que realiza sobre los mismos (invisibles ante los espectadores convencionales pero resplandecientes ante un verdadero amante del cine) y no me extrañaría que en cada crítica encuentre una opinión muy diferente de la otra... es lo que Cameron ha querido, y es lo que finalmente ha logrado. Por lo tanto, "Avatar" merece una sólida recomendación hacia quienes deseen implantar en su memoria las mejores escenas de acción que se han visto en mucho tiempo, y pese a resultar convencional en algunos aspectos, eso no le quita méritos a su realizador ni a su obra. No les garantizo una experiencia perfecta, pero sí fascinante y probablemente, inolvidable. ¡Gracias por otra maravilla Sr. Cameron!

Calificación: 9

"Mulholland Drive", la Obra Maestra de Lynch

Argumento: Después de un accidente de coche en la carretera Mulholland Drive de Los Ángeles, una mujer medio inconsciente se oculta en una casa. Betty, la sobrina de la propietaria, una aspirante a actriz recién llegada a Hollywood, la encontrará totalmente amnésica y decide ayudarla. En el bolso de la desconocida encuentran una llave azul y varios fajos de billetes. El recuerdo de un nombre, Diane Selwyn, las ayudará en el intento de averiguar la identidad de la misteriosa mujer.

Crítica: Quizás pocos lo sepan, pero "Mulholland Drive" es mi película favorita, es por eso que creí conveniente escribir sobre ella; pues la considero una auténtica obra maestra y posiblemente el mejor trabajo del director David Lynch. Es imposible expresar con palabras los sentimientos que me transmite al verla... visualmente es una joya; la fotografía es excelente, la ambientación realmente fascinante y la música (a cargo del brillante Angelo Badalamenti) me pareció magistral. Esta es una película única y excepcional, a la que uno ama u odia, donde jamás podrá existir un término medio; nunca dejará indiferente a nadie. Eso es lo que más admiro de David Lynch, su capacidad para sumergir al público en los oscuros y oníricos mundos que crea, utilizando a personajes complejos y narrando la trama con cierto aire de innovación con el fin de capturar nuestro interés hasta la última escena... exactamente eso ocurre en "Mulholland Drive", pero esta vez, Lynch se ha superado, ya que hace tiempo una película no me producía ese encanto y fascinación tan profundas que motivaban a mi subconsciente a seguir dandole vueltas a la historia y tratando de unir las piezas del confuso rompecabezas que creo Lynch.

Encuentro difícil hablar sobre una película a la que verdaderamente aprecio, pues me resulta inevitable resaltar sus logros tanto artísticos como narrativos, y probablemente deje de lado sus pequeñas deficiencias e invisibles fallas. Tampoco quiero reverlarles mucho sobre el argumento, ya que la experiencia completa se trata de un autodescubrimiento, lo cuál significa que estamos ante una película de lo más personal e íntima, que se introduce en lo profundo de nuestras mentes y saca a flote nuestros sentimientos más ocultos y mejor guardados... esta es una de esas historias a las que se pueden atribuir diversas interpretaciones y donde cualquiera puede ser válida si es que logramos unir las piezas y las tratamos de encajar a nuestro própio entender. Las múltiples pistas que nos deja "Mulholland Drive" pueden servir para dos cosas, una de ellas para comprender mejor el misterio tras el accidente ocurrido en la mencionada carretera y cuál es la identidad de "Rita", o también pueden ser útiles para despistarnos aún más. Sin embargo, se agradece que Lynch haya optado por el camino difícil y en vez de entregarnos una historia aburrida y convencional, prefirió obligar a pensar al espectador y no dejar pistas fáciles... de hecho, la trama es tan inteligente, atrapante y precisa, que ningún cabo queda suelto si uno se pone a pensar más allá de lo que sus ojos han visto.

El guión (también escrito por David Lynch), me pareció perfecto; hace tiempo que no veía unos diálogos de tan alto calibre ni unos personajes que tan bien los interpreten. Hubiera sido imposible lograr la perfección absoluta sin la maravillosa Naomi Watts, quién interpreta a una aspirante a actriz que llega a Hollywood con los sueños y las esperanzas en alto; Naomi sorprendió a la crítica con su perfecta actuación, el personaje de Diane Selwyn (y Betty Elms) jamás podrá ser igualado por ninguna actriz; fue injusto que no le hayan otorgado un Oscar (ni aquí ni en "21 Grams"). Laura Elena Harring interpreta a Rita, una mujer amnésica que tuvo un accidente en la carretera Mulholland Drive, Harring se destacó como la segunda actriz protagónica del film; ambas mujeres lograron lucirse en las escenas de erotismo, donde las dos se besaban y tocaban apasionadamente, mientras la cámara enfocaba lo que deseabamos ver (si me entienden)... en esos momentos la fotografía juega un papel muy importante y se agradece la elegante ambientación y la magnífica música de Badalamenti. Justin Theroux aportó sutileza al enigmático personaje que interpetó; su papel como director de cine al que la mafia le impone la protagonista me pareció brillante; realmente me identifiqué con él, sobre todo en las escenas donde tuvo la conversación con El Cowboy (prestar atención a su particular discurso).

Pasando a la parte técnica, debo catalogar a la producción de magistral, ya que lograron una fantástica ambientación, muy própia de los sueños más oníricos y de los enigmas más indescifrables... todo ello tras el desbordante talento de David Lynch y su perfecto elenco. Recuerdo que "Memento" presentaba una trama con igual desorden y desestructuración narrativa; la historia en sí no era complicada, lo caótico era ordernar cada escena y tratar de descifrar lo que realmente ocurrió luego de que el protagonista (Leonard Shepard - Guy Pearce) haya sufrido de amnesia anterógrada al intentar evitar el asesinato de su mujer. Una narrativa similar se aprecia en "Mulholland Drive", aunque con mucha más complejidad y surrealismo. Mientras escribo este artículo voy recordando escenas y momentos de la película, y me gustaría destacar uno en particular (el del Club Silencio), sitio al que Betty y Rita van luego de quedarse dormidas tras haber hecho el amor; es imposible olvidar las frases tan peculiares del Mago al pronunciar su pequeño discurso: No hay banda, no hay orquesta, todo es una grabación; oyen una trompeta pero nadie la está tocando (...) y ni hablar del momento cuando Rebekah Del Rio canta "Llorando" y las dos protagonistas que se abrazan y comienzan a llorar. Sinceramente he compartido sus lágrimas y sentido su dolor. ¿Cuántas peliculas pueden transmitirnos esas emociones? ¿Cuántas logran llegar hasta el profundo de nuestro subconsciente?

Otra escena que me resultó memorable fue el momento cuando Adam Kesher (Justin Theroux) está audicionando actrices o cuando le dan el papel protagónico a Rita y no a Betty. Pero todas las escenas quedan en segundo plano si recordamos cuando ambas mujeres estaban el fiesta de Adam, Rita da la noticia de que está comprometida con el mencionado director y para empeorar las cosas, una mujer se acerca a Rita y le da un beso, lo cuál enfurece tanto a Betty que probablemente allí haya decidido contrar a un asesino para matarla. Pero mejor me abstengo de revelar tantos Spoilers y dejaré que cada uno descubra los misterios y descifre los enigmas mediante ve la película, aunque eso será tecnicamente imposible ya que la historia es tan caótica y confusa que resulta imposible entenderla a la primera, requiere por lo menos de un segundo o tercer visionado, y claro, de muchas búsquedas en Internet sobre páginas donde expliquen la trama y los acontesimientos ocurridos, pues todo tiene un porqué, solo hace falta que la predispoción del espectador y un poco de paciencia, pues "Mulholland Drive" no es una película fácil, requiere de mucha concentración en la trama y compenetración con la protagonista (hablo en singular, porque practicamente fue Diane la causante de todo, o al menos, el amor que sentía por Camilla).

Finalmente (y para no extender aún más esta crítica) diré que "Mulholland Drive" es tan maravillosa como confusa; uno no sabe exactamente el motivo por el que le gusta, ni tampoco porqué a pesar de no haberla entendido, nos deja una sensación de encanto y fascinación cuando la terminamos de ver. David Lynch ha creado una obra brillante e insuperable; la que probablemente haya sido el eslabón más alto de su carrera y uno de los trabajos que más lo ha marcado como director. Es una lástima que la Academia no la haya tenido en cuenta en ninguna categoría y que la hayan privado de todos los Oscar que merecía... supongo que ese año estaban demasiado preocupados con "The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring" o con el irritante papel de Sean Penn en "I Am Sam". De cualquier forma, me parece ridículo que hayan ignorando el excelente trabajo de David Lynch y la perfecta actuación de Naomi Watts (que verdaderamente merecía un Oscar), pero más impresionante aún es que no haya recibido los suficientes votos en IMDb para formar parte de las 250 Mejores Películas. Indudablemente "Mulholland Drive" no está realizada para un público mayoritario, y eso la vuelve aún más elegante y sofisticada... dudo mucho que el cine me vuelva a entregar una obra tan maravillosa y deleitable como esta. Será difícil aplaudir al final... ya que el Silencio se ha destacado por su bella, imperceptible y a la vez, trágica melodía.

Calificación: 10

"Funny Games U.S.", sádica y pertubadora

Argumento: Ane (Naomi Watts) se dirige a su casa de veraneo junto al lago con su marido George (Tim Roth) y su hijo de diez años Georgie (Devon Gearhart) para desconectar del trabajo. Poco después de instalarse, un par de jóvenes llaman a la puerta para darles la bienvenida a la zona, sin embargo, a pesar de las buenas palabras, atizan a George sin perder la sonrisa en su cara. A partir de ahí, los jóvenes confesarán a la familia que todo se trata de un juego simple: apostar a que deberán sobrevivir hasta el amanecer.

Crítica: El director Michael Haneke ha hecho una réplica exacta de la primera "Funny Games" realizada en 1997. Honestamente no he visto la versión original, por lo que no puedo especular demasiado al respecto. El remake, al que absurdamente añadieron las siglas U.S. quizás haciendo referencia a que la primera película era austriaca y esta "nueva versión" es norteamericana. A como de lugar, creo que eso no afectará a las emociones y a las reacciones que trascenderán en el espectador mientras la vea. "Funny Games" no es una película fácil, carece completamente de foco narrativo, sentimos ese ambiente surrealista y desequilibrado que el director nos impone, como si fuera una obligación.

La trama tiene problemas de ritmo, a ratos es fluida, pero mayormente predominan las escenas pausadas, donde los diálogos se anteponen a las acciones y las emociones se cocinan lentamente; inteligente estratégia, lástima que el guión contenga tantos baches narrativos que haya sido imposible mantener nuestro interés tanto por los personajes como por la historia. No es una película relativamente sangrienta, aunque contiene muchas escenas perturbadoras que podrán herir la sensibilidad de algunos espectadores... ciertamente hemos visto gore de mejor calidad y manufactura en cintas realmente bestiales como en la saga de "Saw" o en la misma "Hostel". Michael Haneke reunió a un buen elenco para interpretar a sus inestables personajes, de los cuales ha sacado digno provecho.

Naomi Watts nos vuelve a deleitar con una de sus intensas actuaciones; como sabrán, esta aclamada actriz se ha ganado el respeto de la crítica y la admiración del público desde la fascinante "Mulholland Drive", dirigida por David Lynch. Haneke aprovecha el talento de su protagonista y la utiliza para que el público entable una conexión psicológica con su personaje, se compenetre con el mismo y sienta como si fueran ellos los que estan viviendo la interminable pesadilla de esa mujer. Tim Roth ha sido uno de los actores más aplaudidos desde que tuvo sus inicios en el cine de Tarantino, nada más recuerden la salvaje y retorcida "Reservoir Dogs" o la brillante y divertida "Pulp Fiction", en ambas se ha destacado como un actor de primera categoría; en "Funny Games" su talento afortunadamente no se ve opacado por el de Naomi, sino que potenciado e incluso mejor posicionado pues los dos interpretan a una pareja creíble, a la que podemos tomar en serio en todas las escenas donde tienen aparición.


Michael Pitt se destaca como el perverso e inteligente villano que junto con su pareja (Brady Corbett) hacen una dupla fascinante y tan siniestra que colman a la trama de un aire denso y un clima asfixiante... obligandonos a descender a los infiernos de la más inhumana crueldad y la más perturbadora realidad. Ambos villanos se encargan de torturar tanto física como psicológicamente a la indefensa familia, aportando esa incomodidad e inseguridad al espectador. La película no tiene piedad, ni de sus personajes ni del público, el suspenso logra acrecentarse en cada escena y la tensión se va haciendo más vívida e intensa a medida que avanza la historia y se deja de lado toda piedad y compasión humana, para que los personajes se centren en el único objetivo importante: la supervivencia.

Como hace un rato mencione, "Funny Games" no es una película fácil; tampoco es ideal verla si esperan entretenimiento o vísceras sin sentido alguno... la experiencia ciertamente es visceral, pero no precisamente por la cantidad de gore que contenga la película, sino por la crueldad de sus villanos, la dualidad moral de sus personajes y el enfermizo e insano tono de la historia. Haneke tuvo control absoluto sobre el guión, aunque el mismo haya contenido ciertos altibajos y huecos narrativos; se destacan un par de diálogos profundamente retorcidos y una violencia injustificada e irracional que prentede serlo simplemente para poner órden el universo. Visualmente la película esta bien cuidada; la fotografía y los planos estan perfectamente expuestos y todo nos resulta minimalista y claustrofóbico (hasta los espacios abiertos). Muchos la podrán comparar con "The Strangers", un thriller protagonizado por Liv Tyler y Scott Speedman, justamente estrenado en la misma época; aunque personalmente las encuentro diferentes en todos sus aspectos, salvo en lo irracional de su libreto y el quebramiento del convencionalismo fílmico para contar una historia conocida desde otra óptica con el fin de dar la sensación de innovación.

No esperen un espectáculo visual ni respuestas fáciles, tampoco lógica ni consistencia narrativa, "Funny Games" evita caer en lo habitual, procura ser extraña, perversa, bizarra, pertubadora y a parte de todo, de añadir su própio e inclasificable estilo a un género que hace tiempo pide innovación. Michael Haneke no es un director de quién me considere seguidor, pero admiro la manera como logra llegar al público y no dejar indiferente a nadie; a su película la amas o la odias, tal cuál es el cine de David Lynch, y tal cuál debería ser el cine de cualquier director cuyas obras sean más que simples películas sino que provoquen sentimientos y reacciones, a veces sin importar que tanta polémica o rechazo puedan generar. Sinceramente no me he divertido con esta película, pues la he pasado verdaderamente mal, desde los créditos iniciales (con los inquietantes planos y la distorcionada música) hasta el desquiciante final.

La sencillez del libreto ayuda bastante para aumentar el nivel de realismo y volverla impactante con elementos cotidianos. Cabe destacar que "Funny Games" contiene un par de escenas que nos podrán resultar excesivamente lentas y tediosas; a destacar el momento cuando Naomi Watts yace en el suelo de una habitación y la cámara enfoca un plano fijo durante quizás dos minutos, como si se hubiera quedado congelada... no se si resultará brillante o magistral para algunos estudiosos de fotografía pero en lo personal lo vi innecesario, irritante y hasta pretencioso, pero en general la película funciona y las emociones son transmitidas casi en su totalidad de manera sólida, consistente y creíble. Claro que no puedo asegurarles una experiencia demasiado original ni memorable, pero "Funny Games" contiene escenas que dificilmente se borrarán de nuestra memoria, especialmente en el tramo final de la historia... donde ya nada importa y todo carece de sentido, o al menos si buscamos lógica a una película que abraza lo irracional y revela los instintos más primitivos del ser humano: la violencia del cazador contra la presa, la venganza de la presa contra el cazador... o quizás debería decir "cazadores".

Calificación: 7

"Antichrist", La demencia de Lars von Trier

2009: Festival de Cannes: Mejor actriz (Charlotte Gainsbourg) / Terror. Thriller Psicológico / SINOPSIS: Para ayudar a su mujer a superar la muerte accidental de su hijo, su marido, psicólogo, decide llevarla a una cabaña perdida en medio de un bosque, el lugar donde ella pasó el último verano con su pequeño. Pero la terapia no parece funcionar, ella comienza a comportarse de modo extraño, y la naturaleza también. Dirigida por Lars Von Trier. Duración: 104 minutos.

Crítica: Cuando uno ve ésta clase de películas siempre se pregunta ¿A qué clase de persona se le podría ocurrir algo así? ¿En qué mente enferma puede tener cabida tal demencia? Pues les advierto que si verán alguna película de Lars Von Trier deben prepararse tanto mental como psicológicamente. Sus obras tienden a ser transgresoras y provocativas, eliminando la censura y resaltando ese lado oscuro que los directores convencionales temen sacar a la luz; ese lado siniestro, que pertuba pero que a la vez deslumbra. El caso de "Antichrist", la película más reciente del mencionado director, es una mezcla de muchas ideas y conceptos que alternan entre lo religioso y lo espiritual, mientras que también se examina el lado racional y psicológico de cada suceso.

La película está brillantemente protagonizada por el singular Willem Dafoe y la perfecta Charlotte Gainsbourg; Dafoe interpreta a un psicólogo que debe hacerse cargo del caso de su própia esposa, pues desde la muerte de su bebé, ella no consigue superar el temor y la culpa; entonces su esposo decide iniciar una especie de terapia y comienza a analizar a su mujer, investigando su pasado y ayudándola a superar sus miedos. Cuando le pregunta cuál es el lugar más feliz donde ha estado con su hijo, ella le responde, temerosamente, que fue en una pequeña cabaña del bosque. Entonces, su esposo decide llevarla al lugar (irónicamente llamado "Edén"), y es allí donde su mujer comienza a actuar de manera extraña y a comportarse como si una fuerza superior a ella yaciera en lo profundo de su ser... mientras que la naturaleza también lo hacía. Esa básicamente es la premisa que nos expone "Antichrist"; creo que el argumento es bastante sencillo y accesible, no tiene muchas complicaciones (más allá de la trama) y todo se entiende, salvo que uno desee analizar el "porqué" de cada hecho.


Von Trier declaró que la historia le vino a la mente en una etapa de depresión, y fue allí cuando comenzó el rodaje; no se si su estado de ánimo habrá influido en la película (aunque sospecho que sí), y creo que es necesario que un director viva y sienta lo que quiere comunicar al público con su película... en esta ocación, Von Trier se ha destacado, y pese a no habernos entregado el mejor filme de su carrera, ha logrado instalar al espectador en un universo demencial, donde una oscura historia se desarrollaba en el lugar más bello de la Tierra. La película carece de ritmo, en más de una ocación llegué a perder el interés y muchas escenas me resultaron bastante lentas; sé que fue intencional y que el objetivo de Von Trier era que nos compenetremos con los personajes, pero al menos en mi caso, no se ha logrado... es cierto que ambos protagonistas resultan muy creíbles, pero les faltó algo más de humanidad o "vida" a sus frías y calculadas expresiones.

La fotografía estuvo realmente bella; el constraste entre luz y oscuridad, el juego de sombras, los tensos movimientos de cámara, los inquietantes planos, las explícitas escenas sexuales, el excesivo morbo y la total ausencia de censura, convierten a "Antichrist" en una película que se desnuda ante nuestros ojos y nos expone un horror que evoluciona y concluye convirtiendose en belleza fílmica. Hablando de evolución, la historia transcurre con un ritmo pausado, las emociones se condensan y llegan al espectador, pero muchas veces hubo dificultades para que ese proceso se pueda lograr; para empezar, el surrealismo con el que está narrada la película logra confundir al público, al hacerlo, vamos perdiendo la conexión con los personajes y nos distanciamos de la historia, porque empezamos a analizar cada hecho. Buscamos una razón lógica para todos los sucesos, tratámos de separar la ficción de la realidad... ¿Para qué? Pues la verdad que no le encuentro el sentido; yo ví la película con la mente abierta, interpretando cada escena desde mi punto de vista, no precisamente para buscarle el sentido a cada acción, y creo que por eso terminé disfrutandola mucho más de lo que otros han hecho. Quizás la mayor particularidad de "Antichrist" es que contiene mucha filosofía de transfondo, mucha psicología, abundante profundización emocional en sus personajes... probablemente por eso dividió a la crítica y no fue muy aceptada fuera de Cannes.


Pasando al guión... el mismo cuenta con ligeras fallas, algunos diálogos se sienten muy vacíos, otros, demasiado sobrecargados; los abundantes lapsos de "silencio" (es decir, cuando ninguno de los protagonistas se hablan), funcionaron bastante bien, la tensión pudo fluir sin obstáculos narrativos a través de la trama y la angustia y la desesperación lograron instalarse en el espectador. La densa atmósfera, la inquietante musicalización, la siniestra ambitación y las brillantes actuaciones de Dafoe y Gainsbourg hacen de la demoníaca película de Von Trier, un auténtico festín de provocación fílmica, libertad de expresión, transgresión religiosa y malsano entretenimiento (para quién sea que lo encuentre). Sinceramente los 104 minutos de duración resultan justos; y el final, pese a no resultar muy creíble (sino más bien abrupto y pretencioso), llega a emocionar debido a la poderosa belleza visual y estilística del blanco y negro que utiliza Von Trier para teñir la pantalla.

"Antichrist" no es precisamente una película gore, de hecho, tampoco es una película acerca del satanismo o la perversidad erótica... se trata simplemente de una competente maravilla cinematográfica que recibió bastantes críticas y obtuvo una buena cantidad de premios en Cannes, incluso siendo catalogada como la película más impactante y perturbadora en la historia de dicho festival. Como es bien sabido, el tema religioso siempre vende, lo supo Dan Brown con "The Da Vinci Code" y lo intuyó Ron Howard con las adaptaciones fílmicas; incluso Marilyn Manson (y otros cientos de musicos más) saben que la Iglesia y sus seguidores protestarán ante cada indicio de tema religioso en tal película o disco musical. Von Trier seguramente lo tiene memorizado, pues no por nada "Antichrist" resultó tan desquisiante y enfermiza... realmente me cuesta trabajo recomendarla; no piensen mal, es una muy buena película, quizás con ciertas fallas dentro de su ejecución, pero con las suficientes gratificaciones narrativas y visuales como para complacernos como espectadores, pero el exhaustivo uso del morbo (empleado tanto en la violencia como en el sexo), resultan bastante desagradables y por un lado podría impresionar mucho a espectadores convencionales... pero quién pueda dejar de lado sus prejuicios y tenga la mente abierta y el estómago de hierro, entonces evite perderse de esta intensa experiencia donde von Trier hace de las suyas; lástima que el resultado final haya sido visualmente impecable pero narrativamente deficiente.

Calificación: 7

"Citizen Kane", La mejor película de la historia

Argumento: El magnate de la prensa Charles Foster Kane (Orson Welles) fallece, acompañado solamente por sirvientes, en su gran mansión pronunciando una única palabra: "Rosebud". Con la intención de averiguar su significado un periodista comienza una investigación con las personas que vivieron y trabajaron con Kane. Las entrevistas se suceden y con cada persona afloran vivencias y recuerdos que ayudan a modelar la compleja imagen del fallecido millonario, pero, que no aportan datos sobre la misteriosa palabra. Sólo el espectador conocerá su origen y significado que engloba temas como el anhelo de las cosas perdidas y los valores realmente importantes.

Crítica: Pocas veces he tenido el privilegio, o la suerte, de ver una película tan perfecta y emotiva como "Citizen Kane", una verdadera obra maestra dirigida por -un primerizo- Orson Welles, que al rodar el filme tenía escasa experiencia como director, sin embargo, lo que comenzó como una desconocida e ignorada cinta allá en 1941, hoy en día es considerada un clásico de culto. Tan poderosa es la fuerza narrativa y la majestuosidad visual de la obra que basta con rememorarla para que siga dejándonos hechizados ante la desbordante elegancia de su guión y su ambiguo pero carismático protagonista, del cuál comenzamos sabiendo poco, pero que al acabar la película conocemos mejor que a nosotros mismos. La original e innovadora estructura de la trama sirvió para desconcertar al espectador y evitar a toda costa que pueda predecir la historia, obligandolo a que se sumerja en el relato, sienta interés por conocer al afamado Charles Foster Kane y necesite descubrir los secretos de su pasado (narrado desde diferentes puntos de vista dependiendo de cada personaje)


Debo confesar que quedé perpléjo ante la pantalla, la historia genera tanta curiosidad y el desconcierto que nos deja cada pista sobre el significado de la palabra "Rosebud" solo estimula las ganas de descubrir el origen de la misma. Lo interesante de todo es que la película acaba sin que los personajes la puedan comprender; de hecho, arrojan varias hipótesis sobre la misma, pero nunca se basan en un concepto totalmente cierto... uno de ellos incluso dijo que "una sola palabra no puede explicar la vida de un hombre", "al parecer ésto es como un rompecabezas, y "Rosebud" es la pieza que falta". El final emociona, su cálido mensaje nos llega a lo profundo de nuestro ser; motivo que seguro obligará a soltar algunas lágrimas a los espectadores más sensibles... no me excluyo, pues la primera vez que la vi me hizo llorar, y estoy seguro de que a muchos cinéfilos les ha ocurrido lo mismo, y es probable que más de una vez. Orson Welles demostró sus conocimientos acerca de los medios de comunicación mientras que su falta de experiencia como director no logró afectar ningún aspecto de su obra, irónicamente, creo que el hecho de no manejar un lenguaje cinematográfico convencional fue lo que volvió tan prestigiosa y aclamada a su obra; muy pocos directores han podido obtener tal reconocimiento y menos aún con la primera película que realizan... Welles fue considerado un auténtico maestro, pues indudablemente desde ésta cinta el cine quedó revolucionado, marcando un antes y un después desde su estreno.

El uso de la profundidad de campo, (seguramente influido por el realismo poético de franceses como Jean Renoir), fotografías en claroscuro y juegos de iluminación (herencia del expresionismo alemán de principios del siglo) escenografías techadas (nada común para la época) y notable uso de los movimientos de cámara y uso de grúas, como dollys y travellings. Pero también añadió algo absolutamente nuevo: la mirada personal del autor: el director como un narrador omnisciente que quiere contar la historia a su manera, valiéndose para ello de herramientas como el picado y el contrapicado. De esta forma, por ejemplo, es capaz de mostrar a Charles Foster Kane (inspirado en el magnate de las comunicaciones William Randolph Hearst) como un hombre lleno de poder. También desarmó la cronología de la mayoría de las historias que eran proyectadas en la pantalla grande, empezando la narración desde el final. Lo cuál es común en las películas de hoy en día, técnica que ha sido empleada hasta el cansancio por cineastas que pretenden innovar haciendo uso de la originalidad y de la maestría que caracterizaban a Welles.


"Citizen Kane" es una auténtica maravilla cinematográfica, las poderosas actuaciones de -en su momento- desconocido elenco y el inteligente guión plagado de interesantes conceptos tanto políticos como sociales (e incluso filosóficos) hacen de la película un auténtico descenso al oscuro pasado de un magnate multimillonario, amado por todos pero incapaz de dar amor, cuyas aficiones eran las de un verdadero coleccionista, que se dedicaba a invertir todo su dinero en costosas pinturas y estátuas (que él consideraba obras de arte), mientras intentaba ocultar la fría y vacía vida emocional que en realidad llevaba... solo su esposa (la bella cantante Susan Alexander) se dió cuenta de ello, y tras haberselo echado en cara, una vez que ya no pudo soportar sus manías, Kane inició una fuerte discución con ella, lo cual causó el desmoronamiento emocional de nuestro protagonista y lo hizo caer -literalmente- hasta morir (he ahí, cuando pronunció la mágica y misteriosa palabra) Realmente no quiero revelar demasiadas partes de la trama ni sacar a la luz escenas que merecen ser disfrutadas (sin importar cuán tardíamente) por cualquier persona que aún no haya tenido el privilegio de gozar con ésta magnífica obra maestra. Actualmente la he visto dos veces, y hasta el momento no le he encontrado ninguna falla.

Su perfecto curso narrativo, la elegancia del guión, el majestuoso vestuario, la espléndida fotografía, los originales encuádres de cámara y el innovador comienzo que inició la historia con el final, para luego comenzar desde cero e ir cargando al espectador de datos relevantes acerca del Sr. Kane y su vida, son ejemplos de como hacer buen cine. Welles logra crear un constante clima de tensión entre cada escena, aporta un leve suspenso ante cada cabo suelto y expone a la trama como un verdadero rompecabezas... en definitiva, una película brillante y magistral que merece una debida revisión luego de los 68 años de su estreno. Orson Welles se encargó de dirigir y actuar mientras que el guión también corrió por parte de su cuenta, el cuál fue escrito con la ayuda de Herman J. Mankiewicz; destacable uso de planos para enfocar y encuadrar la imágen y hacernos ver los decorados del techo, bastante novedoso en el momento, pues en esa época las películas no mostraban más allá de lo que vemos de frente (limitado recurso que de a poco se fue expandiendo, justamente con la aparición de ésta película) Pasando al elenco, me parece necesario destacar las actuaciones de su sólido elenco, compuesto por Joseph Cotten, Everett Sloane, George Coulouris, Dorothy Comingore entre los más destacados.


Considero necesario prestar máxima atención a los detalles en los diálogos de las conversaciones entre el periodista y los conocidos de Kane, pues las mismas revelan datos importantes acerca de su pasado y la relación que tienen con "Rosebud", pues no basta con solo saber el significado, Welles nos deja más cartas en la mesa, quiere que analicemos esa palabra y vayamos mucho más lejos de lo que nos proporciona el protagonista... el mensaje de la película es bastante metafórico e interpretativo, lo cuál requiere que nos compenetremos con el relato y no que simplemente lo sigamos sin llegar a tener algún tipo de conexión. Creo que mientras más veces veamos ésta película, mejor llegaremos a comprender su historia, a analizar a su personaje, y a apreciar el arte visual y narrativo que exponen, con tanta grandeza: la fotografía, el guión, y cada fotograma existente en su realización... nuestro guía es un simple periodista que no forma parte del filme en sí, sino que es un intermediario que sirve para hacernos llegar la historia de Kane, como si de un periódico se tratara y nosotros fueramos los lectores; es así básicamente como Welles quiso que interpretemos a la película.

Imprescindible para todo amante del buen cine y recomendada para cualquier espectador que desee pasar las dos horas más maravillosas de su vida. "Citizen Kane" es un ejemplo de que el séptimo arte si pudo llegar a su máximo nivel. ¿Kane era un héroe o un villano? ¿Algo de su personalidad está reflejado en nosotros? ¿Kane era un gran ciudadano por el hecho de tener tan buena imágen pública y ser amado por todos? Son preguntas que uno inevitablemente se tendrá que cuestionar al ver la película. Orson Welles nos enseño que hasta una ópera prima puede convertirse en una obra maestra si es que cuenta con una historia atrapante y un protagonista interesante. Injustamente solo obtuvo un Oscar (Mejor Guión Original) de los nueve a los que estuvo nominada. Personalmente creo que se merecía ganar dos, el otro en Mejor Película. Estoy seguro de que si la Academia la hubiera evaluado desde otra óptica (más acorde a lo que pretende evocar el filme) sus elegios -de la época- hubieran sido mejores... de cualquier manera, "Citizen Kane" es una obligatoria cinta que con una inteligente premisa y una simple palabra, nos deja expectantes desde los primeros minutos y se roba nuestro corazón en la última escena. Rosebud puede tener mil significados, y dependerá de cada espectador asimilarlo de acuerdo a la percepción que tenga con respecto al protagonista, y hacia su propia vida.

Calificación: 10

"The Final Destination", Entretenida pero innecesaria

Argumento: Nick O’Bannon y unos amigos acuden a un circuito de carreras para presenciar una prueba del Nascar. Durante ésta tiene lugar un terrible accidente que conlleva desastrosas consecuencias para el estadio. Pero Nick descubre que se trata de sólo una visión de algo que está a punto de suceder, y junto con otras doce personas consigue salir del recinto y escapar de una tragedia segura. Pensando que han burlado a la muerte, el grupo continúa con su vida, pero desafortunadamente para Nick, Lori y sus amigos sólo es el principio, ya que la muerte no deja cabos sueltos, y regresará para llevarse a los supervivientes de una manera brutal.

Crítica: Desde los minutos iniciales de ¨The Final Destination¨ ya pude anticipar lo terriblemente mala que sería; la película no tiene absolutamente nada de nuevo, todo lo que muestra ya lo hemos visto, y lo peor de todo es que a pesar de tener una duración tan corta y contar con una frenética edición... la película resulta detestable y aburrida en gran parte de la trama, no hay un atisbo de emoción, el suspenso se incorpora a la historia de manera absurda y demasiado ilógica, como si fuera una simple excusa del guionista para limitarse a los vácuos dialogos juveniles, donde se pueden mencionar el clásico comienzo donde abundan las bromas, luego se pasa a la seriedad y posteriormente al miedo; todo eso llevado de la manera más ridícula y forzada posible. La escena inicial del accidente en las carreras de Nascar parece una mala copia de la segunda entrega de la saga (también dirigida por David R. Ellis).

Lo peor de esta cuarta parte es que carece de originalidad, impacto emocional y fuerza narrativa... todo el relato se siente repetitivo y cansado, utilizando por enésima vez un argumento gastado hasta el infinito; realmente no estamos ante esa clase de películas que de tan malas que son se las disfruta, aquí es imposible disfrutar de la historia ya que practicamente no hay una, simplemente existe una cadena de accidentes de todo tipo que relacionan a los supervivientes de la tragedia en Nascar, pero el argumento es tan burdo que no va más allá de eso. El elenco está compuesto por anónimos actores que no se esfuerzan en lo más mínimo por entregar una actuación creíble o aunque sea carismática; todos los personajes se sienten vacios como la mente y las ideas de su guionista, la película no es más que un desfile de pirotécnicos efectos especiales, un par de muertes vistosas, moderada sangre para abarcar a una amplia audiencia de pubertos curiosos y claro, un final que pretende impactar o causar innovación siendo que solamente vuelve al relato aún más ridículo y detestable.

Sinceramente no me ha gustado demasiado la escena referencial del accidente en Nascar, encontré el comienzo muy forzado y ya desde ese momento la historia se vuelve predecible, pues el director no realiza esfuerzo alguno por dar un giro a la trama o a los personajes, simplemente sigue paso a paso la estructura de las películas anteriores y toma prestada algunas muertes de la secuela que el mismo se encargó de dirigir hace seis años. Es de agradecer que la duración no exceda los 90 minutos, creo que sin quitamos los créditos finales ni siquiera llega a los 80; aunque a la mitad de la trama el hilo narrativo se pierde y la historia se estanca por unos minutos, pero afortunadamente se logró recuperar algo de entusiasmo o ínfimo entretenimiento en los últimos 15 minutos. En cuanto al 3D, pues la verdad que ni eso tiene de innovadora, ya que ultimamente son incontables los estrenos que llegan en ese formato; incluso hace unos meses ¨My Bloody Valentine¨ se encargó de dar inicio a la ¨mejorada¨ tecnología con el género de terror y es obvio que ¨The Final Destination¨ o cualquier otra película de similar estética que haya salido después fue debido al éxito que tuvo la cinta mencionada.


Pero no nos pongamos tan exigentes, despúes de todo, la película no se realizó para conectar neurónas ni remover conciencias... simplemente se hizo como entretenimiento fílmico, pero el director es tan inépto que ni eso pudo lograr. No esperen gore, porque no lo hay; como he dicho, la sangre es bastante moderada, vemos un par de muertes morbosas pero todas carecen de originalidad en su ejecución e impacto en su resolución... hay cero misterio, carencia de emoción, nula adrenalina; de hecho, nada de lo que prometía el trailer o la publicidad se ha cumplido, salvo el enorme éxito mundial que tuvo (y sigue teniendo). Para no terminar con una crítica tan amarga, diré que me gustó una escena en particular, y por ello me veré forzado a soltar un par de notables Spoilers: Encontré divertido el momento previo al final; cuando las dos chicas estaban en el cine viendo justamente una película de terror en 3D; y en una escena en particular (la explosión con el fuego y los trozos metálicos volando hacia ellas, atravezandolas por completo en sus butacas... mientras el público, horrorizado, moría a su al rededor)

No sin antes olvidar que la escena de la escalera mecánica en el Centro Comercial también fue notable; en cambio, la chica atrapada dentro del Lavadero de Autos, el joven atorado bajo el agua de una piscina, la piedra que atravieza el ojo de una mujer por culpa de una podadora, la explosión que hace impactar el extintor de incendios al estómago de un joven que se estrella hasta un tejido alámbrico donde su cuerpo se despedaza... son ejemplos de la total falta de ingenio y originalidad del director para orquestar la violencia y el morbo de su película. En fín, habiendo expulsado todos esos Spoilers y quejas con respecto a la mediocridad de la cinta, no me queda otra que advertir al público (muy tardíamente) que ¨The Final Destination¨ es una mala película, la única entrega de la saga que no me ha gustado y llegó a decepcionarme.


Quizás pague la entrada por el 3D, ya que algunas muertes resultan vistosas y los excesivos efectos especiales cumplen su oportuna función... En cuanto a la aceptación que tenga el público de ella, dependerá del punto de vista de cada espectador; probablemente la lleguen a apreciar los fanáticos más incondicionales de la saga, pero sin dudas decepcionará a cualquiera que busque una buena película de terror o al menos algo de entretenimiento ¨auténtico¨. Solo espero que si algún director desea alargar la saga, que busque otro ángulo narrativo o cambie el enfoque de la trama, porque si vuelve a repetir la misma fórmula por quinta vez... no me quiero imaginar el desastrozo guión que tendrá.

Lamento haber revelado tantos Spoilers, pero asumo que eso motivará algunos que se encuentran ansiosos por verla y tendrá efecto contrario en quienes la quieran ver aún más, pero que se esperaban algo de mejor calidad y manufactura. Como entretenimiento vácuo y desechable, la fallida película cumple con su prometido. A pesar de la enorme decepción que me otorgó ¨The Final Destination¨, aún tengo esperanzas que la próxima entrega recupere el espíritu de los comienzos de la saga; la originalidad de la primera, la violencia de la segunda y el entretenimiento de la tercera. Si vuelven a reunir todos esos elementos y los efectos especiales estan al servicio del historia (y no al revés), entonces se podría hacer sombra a la mediocridad de esta cuarta parte y opacarla con una exitosa quinta entrega... el tiempo lo dirá.

Calificación: 5 (sin el 3D sería 4)

"Aliens in the Attic", Divertida comedia familiar

Argumento: Pequeños Invasores sigue las andanzas de los Pearson, una familia que llega a una casa para pasar unas merecidas vacaciones de verano. Los Pearson son Stuart (Kevin Nealon) y su mujer Nina (Gillian Vigman), la pequeña Hannah (Ashley Boettcher) de siete años, Tom (Carter Jenkins), de 15 años y fanático de la tecnología, y la hermana mayor Bethany (Ashley Tisdale), que sale en secreto con el joven Ricky Dillman (Robert Hoffman). Sin embargo, su periodo de descanso se verá alterado por Sparks, Skip, Spike y Razor, cuatro alienígenas que llegaron antes que ellos. Será entonces cuando los miembros del clan unirán fuerzas con un único propósito: echar a los pequeños y belicosos intrusos que viven en su ático.

Crítica: Tras la oleada de mediocridades en el cine infantil es notable encontrarnos con una comedia de aventuras tan entretenida y humorística como ¨Aliens in the Attic¨. Esta es la clase de peliculas que disfrutan tanto los padres como los chicos, principalmente porque el guión y el tono de la historia no se enfocan en una categoría específica, es decir, la trama abarca varios temas y distintos estilos de humor, algunos inofensivos y caricaturescos, otros, más directos y menos inocentes... en esos aspectos es admirable el trabajo del director John Schultz, quién pudo contar una historia conocida sin llegar a aburrir ni tampoco exagerando en los efectos especiales para mantener atentos al público, le bastó con agregar giros inesperados a la trama y evitar que caiga en lo convencional.


Es un alivio que ¨Aliens in the Attic¨ tenga una buena estructura y la misma contenga todo tipo de momentos que combinen varios géneros cinematográficos que entregen la mayor cantidad de entretenimiento al espectador. Afortunadamente la frenética edición y el dinámico desarrollo evitan que la historia quede estancada y se pierda el curso del guión, lo cuál beneficia a la narrativa para seguir un rumbo seguro y preciso, sin distanciarse de su objetivo ni dejando de lado a los personajes. Por momentos nos vamos a reír sin parar con los humorísticos e ingeniosos gags que contengan ciertas escenas (como la pelea de la abuela al estilo ¨Mortal Kombat¨), que son ejemplos claros de que la comedia está garantizada.

A ratos nos emocionaremos con las múltiples huídas y persecuciones entre los extraterrestres y los protagonistas; allí es donde la aventura se destaca por su audacia... sin olvidarme de las abundantes secuencias de ligera acción y los oportunos efectos especiales, que pese a no contar con un realismo absoluto, funcionan muy bien durante la película y en ningún momento los sentímos falsos o artificiales (a pesar de que se nota la digitalización de los mismos), simplemente nos enfocamos en los personajes y en lo que pretenden evocar, creo que eso es lo fundamental en cualquier película, pues es lo que verdaderamente tiene valor y lo que más recordamos con el tiempo: a los personajes y a la historia, no a los aparatosos y ruidosos efectos especiales (¿Alguien recuerda otro aspecto que no sea el visual en ¨Transformers¨?) Lo dudo.


Quizás en ¨Aliens in the Attic¨ no tengamos a robots gigántes ni a impresionantes naves espaciales, es probable que tampoco se encuentre una ¨Megan Fox¨ en el elenco, salvo la agradable presencia de Ashley Tisdale que supera con creces la actuación de Fox, pues no solo es más carismática, sino también más talentosa y capaz de interpretar un papel de manera creíble. Con eso no estoy diciendo que desprecio a Megan Fox, para nada, de hecho soy un gran admirador suyo y disfrute enormemente de los particulares encuadres que hizo Michael Bay para resaltar sus curvas; y aunque aquí Ashley Tisdale hace algo similar (pero en traje de baño), es innegable que su personaje no se queda en el clásico estereotipo de ¨chica bonita sin cerebro¨, la prueba de ello son las buenas calificaciones que tuvo en la preparatoria (como indica su padre al comienzo de la película) y varios momentos donde demuestra tener la capacidad suficiente para resolver problemas, aunque algunas veces se haya equivocado en su trayecto.

En fín, tras el buen trabajo del equipo técnico, las buenas dosis de humor, los ingeniosos gags y las múltiples referencias a otras películas del mismo género, es de agradecer que ¨Aliens in the Attic¨ no haya resultado una aburrida e irritante comedia de aventuras; sino una humorística y entretenida historia llena de escenas que deleitaran a los chicos y complaceran a los padres. El elenco aportó buenas actuaciones, donde no solo Ashley Tisdale se destaca, sino también el multifacético Robert Hoffman (aportando una particular comedia física con su personaje), Kevin Nealon y Andy Richter son buenos actores que también han tenido buen protagonismo en la cinta, y no me olvido del infaltable sheriff, interpretado por el simpático Tim Meadows. Hubieron escenas que merecen la pena, por ejemplo la de los personajes flotando a causa de la falta de gravedad y los incomparables momentos que se roba Ricky, hábilmente interpretado por Robert Hoffman.


Tras el buen desempeño del elenco y el veloz ritmo de la cinta, ¨Aliens in the Attic¨ merece una buena recomendación no solo por intentar salirse de los parámetros establecidos por el género sino también por animarse a contar una historia conocida pero desde un punto de vista quizás no totalmente diferente, pero definitivamente válido y acertivo, al parecer este año no nos han llegado cintas infantiles tan mediocres ni detestables como en épocas pasadas... y es de agradecer que el ingenioso humor y el encanto que poseen los personajes de "Aliens in the Attic" logren simpatizar con el público y por supuesto, quizás lo que más destaco de la película es que a pesar de haber un uso de efectos especiales, en ningún momento se llega al abuso de los mismos; doblemente merecedora de nuestro tiempo por ello.

Al comienzo quizás parezca la típica y aburrida película familiar, pero desde la llegada de los Aliens y los divertidos enrredos que se inician luego, "Aliens in the Attic" es digna de verse y recomendarse; la comedia funcionó muy bien, el entretenimiento no decayó en ningún momento y pese a tener una duración relativamente corta (85 min), se pudieron enfatizar perfectamente a los personajes y ninguno fue un merto títere para lucir los efectos especiales o aportar otro rostro más al elenco; la presencia de todos está justificada y cada personaje aporta lo suyo, desde sus problemas y motivaciones, hasta el humor que generan con ellas... No creo que sea una película que despierte el interés de un gran público, pero no cabe duda en que serán los chicos quienes más la disfruten, solo que esta vez los padres no se quedarán atrás.

Calificación: 6

"Restraint", Thriller sexual con Teresa Palmer

Argumento: Dos fugitivos en escape toman un rehén, el cual tiene un oscuro pasado. Dale (Teresa Palmer) y Ron (Travis Fimmel) se hallan a sí mismos como los participantes de un juego de supervivencia. Andrew (El rehén) le toma un perverso gusto a los nuevos compañeros encontrados.

Crítica: Es difícil encontrar un buen thriller a estas alturas, ya no podemos buscar originalidad en el argumento ni innovación en la historia; simplemente debemos conformarnos con una trama bien estructurada, con sus respectivos ¨clichés¨ (pero bien utilizados) y sus estereotipados personajes (pero siempre con la suficiente carisma para compenetrarse con el espectador), si un thriller tiene todas esas características y virtudes seguramente resultará una buena película, y cuando digo ¨buena¨, me refiero a que el entretenimiento será constante y el típico rompecabezas narrativo tendrá una satisfactoria finalización.

Es por eso que admiro la sencilla pero efectiva técnica que emplea ¨Restraint¨ para hacer uso de una historia conocida, pero cambiando el punto de enfoque narrativo y dotando de humanidad a sus personajes; quizás el guión presente una estructura irregular y los diálogos se sientan demasiado superfluos, sin olvidarme de los tropiezos que presenta la trama para desarrollar algunas escenas (como las huídas, persecuciones, enfrentamientos, etc). Resulta aburrida una película que solamente contenga acción o efectos especiales, si se deja de lado a la historia y se ponen a los personajes en segundo plano... el filme no pasará a ser más que un simple y vácuo entretenimiento visual que no ofrezca nada relevante ni verdaderamente provechoso de contemplar.


Afortunadamente el primerizo director David Dennen encontró un buen balance entre drama psicológico y el clásico thriller convencional, entregando al espectador una emocionante historia y unos personajes con un pasado tan ambiguo e interesante que vale la pena conocer. Me gustó bastante el aspecto visual de la película, se nota que el director contrató a un verdadero maestro de fotografía para que se encargue de los encuadres y la atmósfera de la historia, que en todo momento presenta ese aire siniestro y asfixiante donde sientes que durante el transcurso de la trama la película se vuelve cada vez más intensa y demencial.

Sin embargo me pareció innecesario el enfoque tan particular que hace el director con respecto a la sexualidad de sus personajes; se que el principal objetivo ¨comercial¨ de la película es vendernos un thriller sexual al estilo de ¨Basic Instincts¨ o cualquiera de sus incontables imitadoras; pero al hacer un abuso de esa herramienta la historia se vuelve poco creíble y lo que parecía un inteligente thriller da la apariencia de ser un video erótico que pasan por el canal Venus. No quiero ser demasiado exigente, pero creo que el director tuvo problemas para estabilizar los temas sexuales con los dramáticos.


Eso restó credibilidad no solo a la historia sino también a los personajes, que tienen un mejor desempeño cuando se dejan de lado temas tan trillados como el sexo... de hecho, creo que lo que mejor que ofrece esta cinta es el oscuro pasado de sus personajes y las conversaciones que tienen al respecto. ¨Restraint¨ resultará muy entretenida para los jovenes que simplemente busquen un thriller de 90 minutos; sin embargo para los que deseen ver una historia mejor construida es recomendable que vuelvan a ver ¨Basic Instincts¨, para al menos, disfrutar de la actuación y la sensualida de Sharon Stone.

En fín, volviendo al tema de la película, admiro la perfecta selección del elenco que realizó el director; Stephen Moyer tuvo una excelente desempeño como el protagonista central de la historia, su papel pudo haber sido facilmente suplantado por otro actor más famoso pero con menos experiencia, afortunadamente Moyer se tomó la molestia de aportar la suficiente credibilidad a su personaje, no creo que sea sencillo interpretar a un hombre agorafóbico encerrado en una mansión en medio del campo (parece lo más simple del mundo, pero al interpetarlo dudo mucho que alguien lo pueda hacer mejor) Travis Fimmel es un actor totalmente desconocido para mi, quizás su actuación en la película haya sido buena, pero sentí a su personaje demasiado forzado y exagerado; supongo que para muchos no habrá problema con eso, pero quién busque realismo en los protagonistas de seguro tendrá una excusa para quejarse del elenco... esperemos que en su próxima película le vaya mejor, porque aquí no me convenció totalmente.


Teresa Palmer, en cambio, ofreció una actuación verdaderamente fascinante; siempre he admirado a esta actriz y quizás la razón principal por la que ví esta película fue por ella, admiro la destreza que tuvo para interpretar dos papeles completamente diferentes en un mismo personaje (el de una stripper, y luego el de una chica de la alta sociedad), además destaco el impresionante desnudo que tuvo en una escena, quedé perplejo ante semejante cuerpo y deslumbrante belleza... Teresa es la prueba viviente de que aún existen las actrices que pueden entregar papeles sexuales sin dejar de lado la credibilidad que el mismo les exige. Como verán, son pocos los actores del elenco, pero los tres protagonistas hacen tan buen trabajo que me es difícil no recomendar ¨Restraint¨.

Ultimamente es uno de los mejores thrillers que he visto, sí, quizás tenga notables fallas y carezca de un claro enfoque narrativo, pero es admirable como un guión tan trillado pueda seguir generando interés en personajes estereotipados... no hay nada más que decir, el entretenimiento está asegurado, al igual que el ¨típico¨ final con el clásico giro inesperado; predecible e insatisfactorio para los más conocedores, pero eficaz para quienes simplemente busquen pasar 90 minutos de constante tensión y acertado suspense.

Calificación: 6

"Fatso", Original y bizarra comedia noruega

Argumento: Rino Hanssen es un virginal y agorafóbico porno adicto que todavía vive con su padre a sus 30 años. Su único amigo es un odioso y asmático perdedor llamado Filip (Kyrre Hellum). Las circunstancias van a cambiar bastante cuando el padre de Rino opta por alquilar una de las habitaciones de su apartamento a una hermosa joven libre de espíritu llamada Malin. Tan libre de espíritu que ella encuentra sentido a la vida a través de relaciones sexuales constantes y de una vida silvestre. Rino se encontrará de golpe fuera del caparazón en el que vivia y en un mundo que ha tratado de evitar la vida real. Será una transición sumamente difícil para Rino.

Crítica: No cabe duda de que las mejores películas se encuentran dentro del cine independiente, pues la libertad de expresión y la inexistente censura permiten a sus respectivos realizadores explotar al máximo su talento y no privarse de una historia con algún tipo de limitaciones narrativas o visuales. Un género donde funciona muy bien esa técnica es la comedia, pues la gran falta de innovación y el irritante humor se hacen cada vez más notables en las películas que actualmente produce Hollywood; por eso admiro doblemente el hecho de descubir a "Fasto", una comedia que se centra casi en su totalidad en los temas sexuales, tanto del protagonista (clásico porno-adicto) como del resto de sus personajes. Me gustó el hecho de que el director Arild Fröhlich haya omitido toda clase de censura hacia el guión y los momentos eróticos; las bizarras fantasías sexuales del carismático Rino no solo elevan la humanidad del mismo sino que nos muestra ese lado "vergonzoso" que ocultamos.


La comedia se mantiene fresca e hilarante en todo momento, presentando un divertido estilo del humor que raya en lo bizarro... el mal gusto que tiene el director a la hora de los diálogos se hacen notar debido a las incontables referencias sexuales que se encarga de analizar (tales como las fantasías eróticas y los momentos donde Rino intenta masturbarse) me han parecido fascinantes pues van mucho más allá del vulgar sentido del humor norteamericano, que si hubieran sido empleados en alguna de las infinitas entregas de "American Pie", probablemente no aportarían ni la mitad de la gracia o el encanto que generaron con "Fatso". Está demás aclarar a cada espectador de que esta interesante aunque poco convencional comedia es recomendable única y exclusivamente para un público determinado, no está realizada para grandes audiencias (de ahí su directa llegada a DVD), pues contiene muchas escenas y chistes que podrán resultar ofensivos para la mayoría de los espectadores habituales, practicamente en toda la película se utiliza al sexo como parodia, metáfora y moraleja de quizás muchos aspectos notables de la vida, que Rino tan maravillosamente se encarga de retratar.

No creo que a muchos les agrade el tono políticamente incorrecto que posee el guión, ni las múltiples referencias sexuales que el mismo señala, pues en algunos momentos tales elementos resultan hasta desagradables, ya que el director evita tomarse la molestia de censurar los genitales y fluidos corporales tanto del protagonista como del resto de los personajes... Aclaro que "Fatso" no es una película erótica ni tampoco pornográfica (aunque no se encuentra muy lejos de ello), es simplemente una extraña aunque conmovedora historia acerca de un hombre (no tan común, pero definitivamente humano y erróneo como cualquier otro), que vive constantemente en sus fantasías y tiene dificultades para integrarse a la sociedad, pues su bestial apetito sexual y su imparable adicción a la pornografía... lo vuelven un auténtico monstruo, incapaz de relacionarse normalmente con una persona del sexo opuesto.


"Fatso" critica con mucho acierto al clásico joven soltero y antisocial, cuyo sobrepeso no solo lo rebaja su autoestima, sino que lo reduce a formar parte de los escalones sociales más bajos y humillantes... Rino hace todo lo posible por evitar relacionarse con otros debido al temor de ser rechazado; en su caso particular, el solo tenía un amigo (y ya se imaginan que parecidos eran), quizás no sean iguales fisicamente, pero sí en personalidad y creo que por eso se llevaban tan bien. El interés de la historia radica en el proceso de integración que decide incorporar el protagonista en su vida, a causa del enamoramiento que sufre con Malin, la joven que se muda a su apartamento. Ella se encargará de cambiar a nuestro particular personaje, ya sea poniendolo a dieta, obligandolo a hacer ejercicio, invitandolo a acompañarla a fiestas e incluso enseñándole como besar a una chica... todo eso mientras compartía con el cada momento de su vida y haciendolo olvidar cada vez más su enfermiza obsesión sexual.

Pero como Rino tenía la particularidad de ser "humano", constamente cometía errores y caía en los mismos problemas repetidas veces... al final, inesperadamente, sucede algo que cambiará completamente la vida de Rino; y créanme, mis ganas de revelarlo son enormes, pero me supera el sacrificio que debe hacer cada crítico por más que le haya encantado una película, y es la de encargarse de analizar y recomendar cada filme que crea conveniente sin divulgar en sus escritos ningún "Spoiler" que pueda arruinar la futura experiencia fílmica de cualquier espectador, y está demás decir que "Fasto" es una cinta que merece obligario visionado, al menos, para quien guste del buen cine noruego. No será una obra maestra, el hecho es que ni pretende serlo, tampoco habrá algún premio en ningún festival, el caso es que ni siquiera fue realizada para eso... la película, en síntesis, es una comedia que explora el lado más oscuro del ser humano, enfocándose en el aspecto sexual de cada persona, demostrándole que tan poderosas son sus fantasías y que tanto nos afectan tabués como la pornografía y la falta de relacionamiento con el sexo opuesto.


¿Que si vale la pena verla? Totalmente, aunque creo que deberán hacer un gran esfuerzo por encontrarla ya que es una de esas raras películas que no son habituales de hallar en el videoclub (al menos que el mismo sea lo suficientemente amplio, tanto en género como en variedad de títulos) y por supuesto, hacer acoplo de todas sus fuerzas para soportar la cruda narrativa. No espero que "Fatso" llegue a gustar a todos, es posible que muchos la lleguen a detestar, ya que su desagradable y perturbador tono podría resultar ofensivo para una notable cantidad de espectadores... pero la experiencia final resulta tan innovadora y satisfactoria que cualquier ligera falla del guión pasa totalmente desapercibida. Tanto narrativa como visualmente la película llega a ser fascinante, las actuaciones del elenco se encargan de aportar ese carisma y credibilidad que no acostumbramos ver en la actualidad, y pese a que no conozco a ninguno de los actores del reparto, admiro el gran trabajo de todos, ya que fue excelente.

Rino es interpretado por Nils Jørgen Kaalstad, quién merece aplausos por su perfecta actuación, sus expresiones faciales e incluso su mirada o manera de hablar nos convencen de que tan enfermiza es su vida... como dije en una crítica reciente, no es tan fácil interpretar a un personaje agorafóbico ni con cualquier tipo de adicciones. Pasando a la parte técnica, me gustaría destacar la excelente ambientación que realiza el director, la belleza visual de la fotografía, las sencillas pero efectivas locaciones, las surrealistas escenas de "comic", los picantes y ardientes diálogos sin ningún tipo de censura que tan maravillosamente se encuentran expresados en el guión y el competente estilo cinematográfico de Arild Fröhlich hacen de "Fatso" una experiencia bastante satisfactoria, y si bien no resultará demasiado memorable con el paso del tiempo... al menos tendrémos un notable recuerdo de ella: No nos ha entregado una vulgar y predecible historia como la mayoría de las comedias actuales, sino que nos ha hecho ganar dos cosas que justifican su realización: un protagonista "humano" y una valiosa lección sexual para el resto de nuestras vidas.

Calificación: 9

"Public Enemies", Johnny Depp ha regresado

Argumento: Estados Unidos, década del 30. Nadie puede detener al ladrón de bancos John Dillinger y a su pandilla. Ninguna cárcel lo logró mantener recluido. Sus audaces fugas de las prisiones le ganaron la admiración de casi todos los estadounidenses que buscan una distracción de las penurias cotidianas. Así Dillinger se convierte en el objetivo número uno del Boureau de Investigación y de su mejor agente, Melvin Purvis, que no descansará hasta lograr apresar al carismático ladrón y a todos sus secuaces. Dirigida por Michael Mann ("Heat", "Collateral", "Miami Vice")

Crítica: Los dramas biográficos basados en importantes héroes (en este caso, "anti-héroes") es uno de los problemas más frecuentes que sufren los directores a la hora de retratar no solo la vida del renombrado protagonista, sino también de narrar verídicamente su historia mientras intenta agregar su propia visión cinematográfica de director... quizás uno de los realizadores que más me ha sorprendido en este ámbito ha sido Michael Mann, reconocido por un par de thrillers y buenos filmes; aquí pone el mayor énfasis posible en cuadrar cada escena en un órden cronológico excepcional, cuya trama se encarga de transportar al espectador desde 1933 en adelate... afortunadamente Mann ha seleccionado perfectamente a su elenco y los mismos se han encargado de entregar sólidas y competentes actuaciones, donde se destaca Johnny Depp como John Dillinger (que coincidencia de nombres!), el prestigioso Christian Bale como el agente Melvin Purvis y la bella ganadora del Oscar Marion Cotillard como Billie, la mujer con quién Dillinger mantenía un excéntrico romance.

"Public Enemies" funciona tanto como fiel biografía de Dillinger y su pandilla, al igual que como thriller a la antigua; Michael Mann se ha encargado de entrelazar muy bien las historias de sus personajes, añadiendo suspenso e incrementando la tensión en los momentos más oportunos, sin descuidar la profundidad del drama y los conflictos emocionales de los protagonistas. La cinta está maravillosamente filmada, cuenta con cuidadas y detalladas secuencias de acción donde el manejo de cámara se destaca y los encuadres resultan muy originales... la excelente musicalización y el perfecto vestuario ayudaron mucho a dar esa sensación de vivir en la época de la Gran Depresión norteamericana; Mann tuvo total cuidado en la producción y fue muy preciso a la hora de realizar tanto las escenas de acción como las de drama y suspenso, sin dudas quienes conozcan la historia de Dillinger disfrutaran bastante de lo que ofrece la película.

Recuerdo haber visto "Amadeus" y acabar maravillado con la perfección visual, musical y fotográfica con que contó la película, Milos Forman se había encargado de realizar una de las mejores obras cinematográficas de la historia, simplemente relatando la historia de la envidia y posterior venganza de Antonio Salieri ante el talentoso y excéntrico Wolfgang Amadeus Mozart. En "Public Enemies", Michael Mann busca hacer basicamente lo mismo, es decir, narrar la verdadera historia de Dillinger y su peligrosa pandilla de ladrones, así como también la del agente Purvis y su árdua investigación para capturarlo; el vertiginoso ritmo de la trama, la impecable edición, la majestuosa fotografía y la perfecta ambientación de la época deslumbrarán los ojos de cualquier amante del séptimo arte.

Afortunadamente Michael Mann ha podido estabilizar su eficaz narrativa junto con su particular estilo visual sin llegar a caer en excesos ni pretenciones innecesarias; quizás no conozca demasiado con respecto a la vida de John Dillinger ni sea una enciclopedia histórica para poder criticar con más produndidad el peso narrativo de la película, pero como simple espectador les puedo asegurar que pese a no tener grandes conocimientos acerca del tema, la película ofrece un maravilloso retrato humano sobre un hombre que marcó a toda una época y hoy en día es venerado por los norteamericanos como un auténtico símbolo histórico (quizás demasiado pretencioso)
Pero teniendo en cuenta la escazes de trabajo y la notable falta de recursos económicos de esa década, es admirable como Michael Mann ha podido ser tan fiel ante el público y practicamente mostrarnos la cruda realidad de los años treinta... creo que no recuerdo una mejor examinación del tema desde "Cinderella Man", protagonizada por Rusaell Crowe y dirigida por Ron Howard hace un par de años.

Pasando al elenco, vuelvo a recalcar que me pareció excelente el hecho de asignar a Johnny Depp en el papel de Dillinger; Depp sin dudas es uno de los mejores actores contemporáneos de Hollywood, no por nada ha sido protagonista de incontables y memorables películas donde no solo el público lo ha alabado, sino también la crítica; en "Public Enemies", Depp entrega una perfecta interpretación y dota a su particular personaje con una credibilidad tremenda, evitando caer en falsas emociones y forzado sentimentalismo que comúnmente caracteriza al héroe (o "anti-héroe") de cada película, la buena química que tiene con Marion Cotillard es fascinante, y es de aplaudir que él romance entre ambos sea digno de ver, ya que los dos poseen desbordante talento y singular carisma que los hace totalmente agradables para el espectador.

Como muchos recordarán, Cotillard ganó un Oscar por su excelente actuación en "La Vie in Rose", donde interpretó a la famosa cantante francesa Édith Piaf; aquí vuelve con todo y se nota que le gusta su papel, pues si una actriz se siente cómoda con su personaje, le saca el máximo provecho posible y eso se percibe con el realismo obtenido en su actuación y en la crediblidad que exponga ante el público, creo que en ese sentido Marion Cotillard brilla notablemente, sobre todo en los momentos más dramáticos de la cinta. Después tenemos al aclamado Christian Bale, su papel como el agente Melvin Purvis me pareció fantástico y muy adecuado para el, en su filmografía encontramos diversos personajes que ha interpretado, pero dudo mucho que exista alguno con tanta relevancia histórica como en "Public Enemies".

Otros actores como Giovanni Ribisi, Stephen Dorff, Channing Tatum y Billy Crudup tienen buenos momentos y se agradece su presencia; sin embargo la que me sorpredió notablemente fue la repentina aparición de Leelee Sobieski interpretando a Polly Hamilton, aunque es una lástima que haya sido un personaje secundario y que no aportó demasiado a la historia, creo que si le hubieran dado mayor protagonismo su potencial como actriz pudo haber sido mejor apreciado... pero agradezco profundamente que la hayan seleccionado para interpretar a un personaje que tiene máxima relevancia en los últimos momentos (poco antes de la muerte de Dillinger). Creo que como cinta de gángsters y la perfecta combinación entre drama y acción la película funciona bastante bien, aunque a ratos se haga un poco lenta y la extensa duración de 140 minutos puede cansar a algunos, el final logra recompensar la espera y ofrece una auténtica maravilla que vale la pena presenciar... simplemente brillante.

En fín, creo que no hay más por decir acerca de "Public Enemies" salvo que es una gran película que merece totalmente mi recomendación, la he disfrutado bastante y la prueba de ello es que ya la vi tres veces. Dudo mucho que quién sea afable conocedor de la historia de John Dillinger termine decepcionado, mucho menos si es admirador de Michael Mann y disfruta de los thrillers policiales a la antigua; "Public Enemies" es una de las mejores películas del año, y pese a no haber tenido mucho éxito comercial en su país natal, es un obligario visionado para cualquier amante del buen cine, que esté cansado de ver decrépitas biografías carentes de profundidad emocional y relevancia histórica. Definitivamente su elenco es el imán para ir a verla, ya que una película con Johnny Depp de protagonista siempre vende, y en este caso me alegro de que lo haya hecho.

Calificación: 8